結論から書きます。

2026年に私が観た中で、ベスト級の一本でした。

そして、できる限り大きなスクリーンで観てほしいです。可能なら、グランドシネマサンシャイン池袋や109シネマズ大阪エキスポシティのような、1.43:1まで映せるIMAXレーザー／GTテクノロジーの劇場で。

ただ、この記事は「観に行くか迷っている人」へ向けて書いていません。

もう観てしまって、劇場を出たあとも何かが引っかかっている人に向けて書きます。

私は見終わった直後、この映画を「観た」というより「目撃した」と言いたくなりました。

でも、あとから考えると。

そう言いたくなること自体が、たぶんクリストファー・ノーランの設計の内側だったんですよね。

『オデュッセイア』作品情報

公開日：2026年9月11日（IMAX先行上映は2026年9月4日から）
原題：The Odyssey
監督・脚本：クリストファー・ノーラン
原作：ホメロス『オデュッセイア』
出演：マット・デイモン、トム・ホランド、アン・ハサウェイ、ロバート・パティンソン、ルピタ・ニョンゴ、サマンサ・モートン、ゼンデイヤ、シャーリーズ・セロン ほか
撮影：ホイテ・ヴァン・ホイテマ
音楽：ルドウィグ・ゴランソン
上映時間：172分
配給：ビターズ・エンド、ユニバーサル映画
備考：劇場公開作品として史上初めて、全編をIMAXフィルムカメラで撮影
視聴方法（2026年9月現在）：全国の劇場で公開中

「観た」というより、「目撃した」

『オデュッセイア』は、トロイア戦争を終えたイタケの王オデュッセウスが、妻ペネロペと息子テレマコスの待つ故郷を目指す物語です。

日本公開は2026年9月11日。9月4日からIMAX先行上映が始まっています。

監督・脚本はクリストファー・ノーラン。原作はホメロスの『オデュッセイア』。上映時間は172分。

そして劇場公開長編として史上初めて、全編をIMAXフィルムカメラで撮影した作品です。

私は群馬県民ですが、これだけはノーランが想定したスケールで体感しなければ駄目だろうと思い、先行上映2日目、朝8時20分のグランドシネマサンシャイン池袋へ行ってきました。

朝4時起きです。

そこで1.43:1の画面いっぱいに広がる海や戦争や怪物を見せられたら、そりゃ圧倒されます。

とんでもないものを目撃してしまった。

上映直後の感想としては、本当にそれでした。

ただ、私なりにこの映画を考えていくと、この「とんでもない映像を目撃した」という感覚そのものまで、かなり意地の悪い形で映画のテーマにつながっているように見えてきました。

最初に思ったのは、「これ、ほとんど『オッペンハイマー』じゃん」

見終わって最初に感じたのが、これです。

これ、ほとんど『オッペンハイマー』じゃん。

もちろん、原子爆弾とトロイの木馬が同じだ、と言いたいわけではありません。

でも、ノーランが主人公に背負わせているものはものすごく近い。

オデュッセウスは、10年続いた戦争を終わらせるためにトロイの木馬を考える。

軍事的には、とんでもなく有効な策です。

実際、それによってギリシャ軍はトロイアへ侵入し、戦争を終わらせる。

しかしその瞬間から、彼は「戦争を終わらせた英雄」であると同時に、自分の知性によって取り返しのつかないものを生み出してしまった人間にもなる。

ここが『オッペンハイマー』と重なりました。

目の前の戦争に勝つためには有効だった。

でも、一度それをやってしまった世界は、もう以前の世界には戻らない。

そして発明した本人だけが、その結果から逃げられるわけでもない。

『オッペンハイマー』の次に、なぜノーランが2800年前の英雄譚を撮ったのか。

題材は紀元前まで遡ったのに、問題意識はむしろ前作から地続きに見えました。

ただ、今回さらに面白いのは、その罪が最初からそのまま語られないことです。

まず疑うべきは、私たちが見た3時間だった

この映画は、吟遊詩人が英雄オデュッセウスの物語を語るところから始まります。

つまり冒頭から、私たちがこれから見るものは「歴史そのもの」ではなく、誰かによって語られた物語なのだと示される。

その先には、単眼の巨人がいる。

魔女がいる。

セイレーンがいる。

神々がいる。

普通に観れば、壮大な神話ファンタジーです。

しかもノーランが、それをとんでもない物量で本当に目の前へ出してくる。

一方で、オデュッセウスの長い旅の多くは、彼自身が失われた記憶をたどりながら語り直していく形で見せられます。

そこには記憶を奪う蓮まで絡んでいる。

だから途中から、私は少し疑い始めました。

私たちが見せられているものは、どこまで本当に起きたことなんだろう。

巨人は、本当に巨人だったのか。

アテナは、本当に彼の前へ現れていたのか。

怪物はいたのか。

神々は彼を罰していたのか。

あるいはこれら全部が、オデュッセウス自身が耐えられない記憶を「神話」という形へ変換したものなのか。

映画は、そこを最後まで確定させません。

しかも今回のノーランは、ホメロスをそのまま映像化しているわけでもない。

いくつもの古典的な要素を組み替え、人物や出来事を再配置し、特に「記憶を語り直す」という構造をかなり強くしています。

だから私は、この3時間を「オデュッセウスに実際に起きた出来事の再現」と受け取るより、オデュッセウスが自分自身をどう物語にしたのかを見る映画として受け取ったほうが、しっくりきました。

そしてその見方をすると、終盤のペネロペの前での場面が一気に重くなります。

ペネロペの前で、語りの質が変わる

帰還したオデュッセウスが、まだ正体を明かさないままペネロペへトロイアの話をする場面。

私は、あそこがこの映画で最も「真実」に近い言葉が出てくる場面に見えました。

それまでの彼の物語には、巨人がいる。

魔女がいる。

神々がいる。

怪物がいる。

ところが、あの場面では違う。

英雄的な冒険談ではなく、トロイアで起きたことを語る。

木馬は華麗な知略だった、では終わらない。

城門が開いた先で、10年間積み重なった憎悪が市民へ襲いかかったことまで思い出す。

しかもオデュッセウスは、自分のことを英雄として語らない。

木馬作戦で命を落としたシノンの名を介しながら、まるで自分自身から少し距離を取らなければ語れないような形で、その罪へ近づいていく。

ここで初めて私は、

ああ、この人は自分のやったことをずっと悔いていたのかもしれない

と思いました。

怪物に襲われた。

神に呪われた。

運命に翻弄された。

そういう英雄譚として語っている間は、原因を自分の外側へ置ける。

でも、あの場面では違う。

自分が考えた。

自分がやった。

その結果として、世界が壊れた。

そこまで戻ってくる。

この場面を基準点にすると、それまで見ていた神話の意味まで変わってきます。

映画が「ゼウスの掟」と呼ぶもの

ここは鑑賞後に調べて、一つだけ言い直したいところがあります。

映画では「ゼウスの掟」という言葉が非常に重要な意味を持っています。

ただ、古代ギリシャにその名前の一枚岩の法典が存在した、という話ではありません。

背景にあるのは、xenia（クセニア）と呼ばれる、客人と主人のあいだの歓待や相互的な信頼の規範です。

旅人を迎える。

食事を与える。

客人も主人を裏切らない。

そして、その関係をゼウスが見守っている。

映画はそれを、現代の観客にも分かりやすい形で「ゼウスの掟」として物語の中心へ持ってきています。

ここが分かると、トロイの木馬の意味がまるで変わる。

一般的には、「巨大な木馬の中に兵士を隠して敵地へ侵入した、とんでもない奇策」として有名です。

でも、この映画の見方では、それだけではない。

木馬は神への捧げ物だと偽装されている。

本来なら相手が尊重するはずの「贈り物」や「神」や「信頼」そのものを、攻撃手段へ変えてしまった。

つまりオデュッセウスは、敵より賢かっただけではない。

誰もが守ると信じているからこそ成立していたルールそのものを、攻略法として利用した。

だからこそ、「世界を壊した」という言葉が効いてくるんですよね。

戦争には勝った。

でもその後も、人は誰かを信じて生きていかなければならない。

一度「信頼そのものを罠にしていい」というところまで行ってしまえば、勝者だけ安全な世界へ帰れるわけではありません。

オデュッセウス自身も、自分が壊したルールの世界を漂流することになる。

ここまで来ると、『オッペンハイマー』との重なりがよりはっきりします。

技術的にできること。

知略としてできること。

そして、それをやっていいかどうか。

それらは同じではない。

一度越えた線は、なかったことにはできない。

人類は何度オデュッセウスになるのか。

私は、この2800年前の物語をノーランが今やる理由の一つを、そこに感じました。

アテナの顔は、誰の顔だったのか

そして、もう一つ忘れられないのがアテナです。

ゼンデイヤ演じるアテナは、旅の途中で何度もオデュッセウスの前へ現れます。

普通に受け取れば、女神アテナです。

ただ終盤、トロイアでオデュッセウスの目の前にいた若い女性と、その顔が重なってくる。

さらに、そこではアテナの像まで破壊される。

ここで私は、一気に分からなくなりました。

あれは本当に女神だったのか。

それともオデュッセウス自身が、トロイアで目にした女性の顔を忘れることができず、その顔を自分の良心や罪悪感のような存在へ変換したのか。

映画は答えを出しません。

でも私は後者の読みがかなり好きです。

自分のやったことを、そのままでは直視できない。

だから怪物にする。

神の怒りにする。

呪いにする。

そして、自分を見つめ続ける良心には、トロイアで見た女性の顔を与える。

そう考えると、この長い冒険そのものが、少し違って見えてきます。

神々がオデュッセウスを裁いていたのではなく、

オデュッセウスが「神話」という形を借りて、自分自身を裁いていたのかもしれない。

私には、そんなふうに見えました。

それなのに、とんでもなく面白い

ここまで書くと、ものすごく重たい映画みたいですよね。

でも実際には、めちゃくちゃ面白いです。

むしろ、過去のノーラン作品と比べてもかなり王道。

怪物が出る。

荒れ狂う海を航海する。

魔女が出る。

戦争がある。

故郷へ帰る。

そして最後には、とんでもないカタルシスまである。

冒険映画として欲しいものが全部入っています。

しかも今回、表面的なストーリーは驚くほど分かりやすい。

私はグランドシネマサンシャインへ向かうまで、「ノーランだし、一回で理解できるのか……？」と結構身構えていました。

その構えは、ほとんど必要ありませんでした。

上映終了後には拍手まで起きました。

周囲からも「めちゃくちゃ面白かった」という声が聞こえてくる。

そして私は、そこがこの映画の一番すごいところだと思います。

別に全員が、「これは英雄神話が加害の記憶をどう加工するかについての映画で……」なんて考える必要はありません。

そんな映画、嫌です。

怪物すげえ。

IMAXすげえ。

オデュッセウスかっこいい。

面白かった。

それだけでもきちんと成立する。

良い映画って、そういうものだと思っています。

でも今回、私はその「面白かった」という感想自体が、だんだん怪しく見えてきました。

「面白かった」で帰る人まで、この映画の中に入っている

『オデュッセイア』は、2800年近く語り継がれてきた物語です。

文章として残る以前から、人から人へ、歌として伝えられてきた。

当然、その過程で事実がそのまま保存されるわけではありません。

聞き手が分かりやすいように。

次の人へ伝えたくなるように。

英雄を、もっと英雄らしく。

怪物を、もっと怪物らしく。

物語は変わっていく。

現実に起きた出来事がある。

オデュッセウス自身の記憶がある。

彼が語り直した冒険譚がある。

吟遊詩人の歌がある。

ホメロスの叙事詩がある。

ノーランの映画がある。

そして最後に、映画館を出た私たち一人ひとりが持ち帰る『オデュッセイア』がある。

何重にも媒介されている。

そのたびに、何を残すかが選ばれる。

だから2800年後の私たちは、トロイの木馬を知っている。

キュクロプスを知っている。

セイレーンを知っている。

「知略の英雄オデュッセウス」を知っている。

でも、その木馬の中から出てきた兵士たちが、その夜に何をしたのか。

本人はその成功をどう受け止めていたのか。

そもそも怪物との冒険のうち、どこまでが事実だったのか。

そういうものは簡単に抜け落ちていく。

だから物語をエンターテインメント化することには、少し怖いところがあります。

面白い物語は、真実を歪める。

でも、ここで終わらないのが、この映画の好きなところです。

面白くなければ、そもそも2800年も残らなかった。

「面白い」と思った人が次の人へ伝えた。

また次の人が伝えた。

そうやって生き延びたからこそ、2026年のクリストファー・ノーランがそこから別の意味を掘り起こすことができる。

私たちもまた考えられる。

物語をエンターテインメントにすると、真実は歪む。

でも、エンターテインメントになるから、物語は生き延びる。

そして生き延びた物語の中から、未来の誰かがもう一度、埋もれた真実を拾い上げることができる。

この両面性が、本当に面白い。

吟遊詩人は、真実を薄めてしまう存在なのかもしれない。

でも同時に、真実の痕跡を未来まで運んでくれる人でもある。

ただし、その歌そのものを「真実」だと思い込んではいけない。

私は、この映画からそんなことを考えました。

試されていたのは、フルサイズIMAXで圧倒された私だった

そして、ここまで考えたところで、最初の感想へ戻ってきます。

私は群馬から朝4時に起きて、グランドシネマサンシャイン池袋まで行きました。

1.43:1の巨大な画面で観て、

「とんでもないものを目撃した」

と思いました。

でも、待てよ。

2800年間、吟遊詩人は人々の記憶に残るように、この物語を面白く語ってきた。

では2026年のノーランは何をやっているのか。

IMAXという、とんでもなく強力な現代の「歌」で『オデュッセイア』を語っている。

海を巨大にする。

怪物を本当に目の前へ出す。

戦争の凄惨さすら、息をのむ映像へ変える。

圧倒的な音を浴びせる。

そして私たちは、「すげえものを観た」と映画館を出る。

これって、作中で起きていることと同じなんじゃないか。

そう思ったんです。

IMAXの暴力的なまでの映像。

音。

映画としての圧倒的な面白さ。

それらまで全部使って、「面白い物語は何を残し、何を覆い隠すのか」という問いを観客自身に体験させている。

だとしたら、相当えげつないことをやっています。

私は最初、この映画を「観た」のではなく「目撃した」と言いました。

でも、「目撃した」と思わせるほどの映像を見せられたからこそ、それを真実だと思い込んでいいのか、というところまで戻ってくる。

映画そのものが巨大な吟遊詩人になっている。

しかも、とんでもなく優秀な吟遊詩人です。

面白すぎるから、簡単に信じてしまう。

2026年に観た中で、ベスト級の一本

私は『オデュッセイア』を、オデュッセウスが故郷へ帰る英雄譚としてだけではなく、

人間が出来事を物語へ変え、その物語が真実を歪めながら、それでも未来まで何かを運んでいくことについての映画

として観ました。

だからこそ、あの冒頭に吟遊詩人がいる。

だからこそ、オデュッセウス自身の記憶は曖昧でいい。

だからこそ、アテナが本当に女神だったのかも確定しない。

そしてだからこそ、この映画自身が、とんでもなく面白い。

全部を一回で理解したとは思っていません。

むしろ、もう一度観たら全然違うものが見えてくる気がしています。

ただ現時点では、2026年に私が観た中でベスト級の一本です。

できれば、グランドシネマサンシャイン池袋や109シネマズ大阪エキスポシティのような、1.43:1を活かせるIMAXで観てみてください。

そこで思い切り圧倒されてほしい。

そのうえで映画館を出たあと、一度だけ。

待てよ。

と立ち止まってみてほしいです。

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結婚式が散々なことになったその夜、ウェディングドレスとタキシードのままダイナーに座り、まるで初対面のように自己紹介を始める二人。

普通に考えれば、かなり変なラストです。

でも私は、あそこまで観て、ようやく『ドラマなふたり』が何を描いていたのか腑に落ちた気がしました。

二人は、知ってしまったことを忘れたいのではない。

知ってしまった一つの事実だけで、相手に判決を下し続けるのをやめたかったのではないか。

相手を知るほど愛は深まる。何も隠さず、すべてを理解し合うことこそ理想の関係だ。

恋愛について、そんなふうに考えることがあります。

でも『ドラマなふたり』が見せるのは、その逆です。

知らなかった事実を知った瞬間、人は相手を理解するどころか、その事実を通してしか相手を見られなくなることがある。

だからこの映画を観たあと、私は「恋は盲目」という言葉を、以前ほど悪い意味では受け取れなくなりました。

『ドラマなふたり』作品情報

公開日：2026年8月21日
原題：The Drama
監督・脚本：クリストファー・ボルグリ
出演：ゼンデイヤ、ロバート・パティンソン、アラナ・ハイム、ママドゥ・アティエ、ヘイリー・ゲイツ ほか
音楽：ダニエル・ペンバートン
上映時間：105分
配給：ハピネットファントム・スタジオ
レイティング：G
視聴方法（2026年8月現在）：全国の劇場で公開中

秘密を知った瞬間、同じ人が別人に見え始める

ボストンで出会い、結婚式を一週間後に控えたエマとチャーリー。

親友夫婦との食事中、軽いノリで「これまで自分がした最悪のこと」を告白し合ったことで、完璧に見えていた二人の関係が崩れ始めます。

ブラックコメディとしてかなり笑えるのに、笑って終われない。

観終わったあとに「自分だったらどうするだろう」と考え始めてしまうタイプの映画でした。

この映画で一番怖いのは、エマ自身が途中で別人になるわけではないことです。

変わるのは、彼女を見る側です。

食事の席でエマが告白するのは、十代のころ、学校で銃乱射事件を起こそうとしていたという過去でした。

もちろん、これは「昔ちょっと危ないことを考えた」程度で流していい話ではありません。

実行されなかったからといって、簡単に無害な過去へ変えられるものでもない。

チャーリーが動揺すること自体は、むしろ当然だと思います。

それでも怖いのは、その直前までエマは、チャーリーにとって結婚したいほど好きな人だったということです。

エマの中に突然、別人格が生まれたわけではない。

新しく加わったのは、一つの情報だけです。

なのにチャーリーは、

もしかして自分は、この人のことを何も知らなかったのではないか。

と考え始める。

チャーリーの中に、エマを見るための新しいフィルターが生まれてしまった。

そして一度そのフィルターを手に入れてしまうと、なかなか外せない。

目の前にいる現在のエマより、銃を持ったエマのイメージの方が強くなっていく。

これまでなら何でもなかった言動まで、別の意味に見えてくる。

知ってしまった情報が、現在の相手をどんどん侵食していくんですよね。

「知ること」の次に始まるのは、「裁くこと」だった

秘密を知ったあと、チャーリーはエマを理解しようとします。

なぜそんなことを考えたのか。

今は本当に大丈夫なのか。

自分は彼女を信用していいのか。

最初のうちは、かなり真っ当な疑問に見えます。

でもだんだん、妙にカウンセラーのような顔をしてエマの内面を掘り始める。

もちろん彼は専門家ではありません。

そして相手を理解しようとすればするほど、会話が「お前は本当はどういう人間なんだ」という尋問に近づいていく。

ここが、とても嫌で、同時にすごく面白かったです。

理解するために聞いていたはずなのに、いつの間にか判決を出すための材料を集め始めている。

アラナ・ハイム演じるレイチェルの反応は、さらに激しい。

彼女にとって銃撃事件は、遠くのニュースではありません。

だからエマの告白を「昔の話」として流せないのも当然です。

この映画を、秘密なんて言わなければよかったとか、過去なんだから許してあげればいいとか、そんな簡単な話にはしたくありません。

エマが明かした内容は重い。

しかも、実行しなかった経緯まで考えると、単純な「若気の至り」で済ませることもできない。

でも、それでもなお残るのが、

では、一つの過去を知ったあと、それをどこまで現在のその人へ適用していいのか。

という面倒な問題なんですよね。

そもそも、誰が誰を公平に裁けるんだろう

あの食事の席で語られるのは、エマの過去だけではありません。

他の三人も、それぞれ自分がした最悪のことを話しています。

もちろん内容を並べて、どれが一番悪いかランキングをつけることには意味がないと思います。

エマの告白が極めて重大なのも変わりません。

ただ、映画が意地悪なのは、性質も重さもまるで違う四つの過去を、あえて同じゲームのテーブルへ並べてしまうことです。

考えたことと、やったこと。

十代の自分と、現在の自分。

変わった人間と、変わっていない人間。

どの時点のどの行為を切り取れば、その人の「本当の姿」になるのか。

考えていくほど、ものすごく面倒です。

そしてたぶん、簡単に公平な判決なんて出せない。

だから私は、この映画を観ながらだんだん、

相手のことを全部知れば、より正確に愛せる。

という考え自体が怪しく思えてきました。

「恋は盲目」には、ちゃんと意味があるのかもしれない

「恋は盲目」と言います。

恋に夢中になるあまり、相手の欠点が見えなくなる。

周囲の忠告も聞こえなくなる。

普通は、あまり良い意味では使われません。

でも『ドラマなふたり』を観ていると、盲目でいることには案外、機能的な意味もあるんじゃないかと思えてきます。

もちろん、見えている危険を無視した方がいいという話ではありません。

この映画も、秘密を持ち続けることを単純に肯定しているようには見えませんでした。

それよりも私が面白いと思ったのは、

人はそもそも、相手のすべてを知ったうえで恋愛しているわけではない。

という当たり前のことです。

恋人でも、夫婦でも、相手の過去も、頭の中で考えたことも、誰にも言っていない失敗も、全部知っているわけではない。

それでも関係は成立しています。

むしろ何もかも可視化して、

結婚するんだから、お互いのことを全部知っておこう。

とやり始めたとき、必ずしも愛が深まるとは限らない。

知らなかった欠点が見つかる。

その情報を材料に相手を見る。

別の行動まで怪しく見えてくる。

そして最後には、

この人は本当はこういう人間だったんだ。

と、一つの説明の中へ閉じ込めてしまう。

相手を知ることと、相手を愛することは、必ずしも同じ方向を向いていない。

ここが、私にはこの映画の一番面白いところでした。

恋愛って、ある意味では相手を都合よく「誤読」することで成立している部分もあると思います。

魅力的なところを大きく見る。

嫌なところは少しぼかす。

見えないものについては、全部暴こうとはしない。

冷静に考えると、かなり勝手です。

でも、それで二人が幸せにやっていけるなら、それも一つの関係のあり方なのかもしれない。

何でも知っているから愛せるのではなく、

知らない部分があることを受け入れたうえで、それでも好きでいる。

そう考えると、「恋は盲目」という言葉が急に違って見えてきます。

冒頭の恋と、ラストの恋

だからこそ、冒頭の二人が面白いんですよね。

エマがカフェで本を読んでいる。

チャーリーは彼女に興味を持ち、読んでいる本について調べ、あたかも自分も知っているかのように話しかける。

まあまあ姑息です。

しかも最初の声かけはうまく届かず、二人は一度、出会いそのものをやり直すことになる。

つまりこの恋は、最初から少しの嘘と、一度のやり直しから始まっています。

このときチャーリーは、エマのことをほとんど知りません。

何も知らないからこそ、目の前にある小さな情報を頼りに近づいていく。

そして二人は恋に落ちる。

ところが物語の終盤では正反対です。

二人は、知らなくてもよかったことまで知ってしまった。

その結果、目の前にいる相手よりも、頭の中に作った「この人はこういう人」という像を見るようになる。

何も知らないところから始まった恋が、知りすぎたことで壊れかける。

だから最後に、もう一度、初対面からやり直してみる。

もちろん、本当に何も知らなかったころには戻れません。

過去も消えない。

結婚式で起きたことも、チャーリーが結婚直前に別の女性と関係を持ちかけたことも、全部残っています。

でも、

自分はもう、この人のことを理解した。

という態度を捨てることはできる。

分かったつもりにならず、もう一度、目の前にいる相手を見る。

私は、あのラストをそんなふうに受け取りました。

疑心暗鬼になるロバート・パティンソンが、本当におかしい

ここまでかなり面倒な恋愛の話を書いてきましたが、映画そのものはずっと重苦しいわけではありません。

むしろブラックコメディとしてかなり笑えました。

特にロバート・パティンソン演じるチャーリー。

エマの秘密を知ってから、何を見ても疑わしくなっていく。

心配しているのか。

怖がっているのか。

良い恋人であろうとしているのか。

自分を守りたいだけなのか。

本人すら整理できていなさそうなまま、どんどん空回りしていく。

この狼狽ぶりが本当におかしい。

一方のゼンデイヤも、秘密を告白した瞬間に分かりやすく「危険な人」へ変わるわけではありません。

エマは基本的にずっとエマのままです。

だからこそ、周囲の見方だけが変わっていくことが際立つ。

クリストファー・ボルグリ監督の前作『ドリーム・シナリオ』でも、人が周囲から「こういう人」と決めつけられ、そのイメージに本人が飲み込まれていく嫌さがありました。

今回は、その裁判所が社会全体ではない。

一番自分を分かってほしいはずの恋人の目の中にある。

そこがさらに嫌でした。

初対面へ戻るのは、忘れるためではない

秘密なんて、最初から言わない方が幸せだった。

ものすごく単純にまとめれば、『ドラマなふたり』はそんな話にもできます。

実際、すべての地獄は、あの食事の席から始まっています。

でも私は、そこだけで終わる映画ではないと思いました。

この映画で怖いのは、秘密そのものだけではありません。

一つの事実を知る。

その情報で相手を見る。

相手を分類する。

そして、この人はこういう人だと判決を出す。

その瞬間、目の前にいる人間より、自分の頭の中に作った人物像の方が大きくなってしまう。

最後の二人が初対面のふりをするのは、知っていることを消すためではない。

知っていることだけで、相手を完成させてしまわないためなのではないか。

全部知ることが愛の完成とは限らない。

相手を理解することと、相手を愛することも、必ずしも同じではない。

『ドラマなふたり』を観る前の私にとって、「恋は盲目」はどちらかといえば、恋愛に浮かれた人をからかうような言葉でした。

でも今は少し違います。

恋が盲目であることは、相手の欠点を見ないことではなく、一つの事実だけで相手の全部を決めつけないための余白なのかもしれない。

かなり嫌なところまで恋愛を分解しておきながら、最後にはそんなロマンチックな場所へ戻ってくる。

私はそこが、この映画のすごく好きなところでした。

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エマを演じたゼンデイヤについては、『スパイダーマン：ブランド・ニュー・デイ』の感想でも書いています。

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同じA24が、恋愛の歪んだところを別の角度から撮った一本がこちらです。

【ネタバレなし】映画『愛はステロイド』感想レビュー。A24が描く歪んだ愛の傑作！

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恐竜が住宅街を歩き回る。

予告で見たとおりの映画です。だから、そのつもりで行っていい。

私は「『イット・フォローズ』のデヴィッド・ロバート・ミッチェルが、ただの恐竜サバイバル映画を撮るわけがないだろう」と身構えて劇場に入りました。

その構えは、最後まで一度も必要になりませんでした。

久しぶりに、何も考えずに映画を観たかもしれません。

恐竜が出てくる。怖い。逃げる。ハラハラする。

それでちゃんと面白い。

2026年の夏休みに家族と観に行くにも、かなりいい一本だと思います。できれば大きいスクリーンで。

ただ、観終わってみると「ミッチェルらしさが何もなかった」とも思わなかったんです。

難解な意味を探す必要はない。でも、普通の住宅街を「何かいるかもしれない場所」に変えてしまう怖さは、ちゃんと残っていました。

そして、その住宅街にある「家」が安全ではなくなったとき、そこに暮らしていた家族が隠してきたものまで、一緒にむき出しになっていきます。

『オークストリートの異変』作品情報

公開日：2026年8月14日
原題：The End of Oak Street
監督・脚本：デヴィッド・ロバート・ミッチェル
製作：J.J.エイブラムス
出演：アン・ハサウェイ、ユアン・マクレガー、メイジー・ステラ、クリスチャン・コンヴェリー ほか
上映時間：100分
配給：東和ピクチャーズ、東宝
レーティング：G

「ジュラシック・パークだと思って行く」で、まったく問題ない

予告を観て「恐竜パニックムービーかな」と思った人は多いと思います。

私もその一人でした。

そこに引っかかりを作るのが、監督の名前です。

デヴィッド・ロバート・ミッチェルといえば『イット・フォローズ』。

ホラーとして普通に怖いうえに、画面の奥に何かいるんじゃないかと観客自身に探させるような怖さがある。そして観終わったあとには、「あれはいったい何だったんだろう」と考える余地まで残っている。

だから、その監督が恐竜映画を撮ったと聞くと、

「何かを受け取らなきゃいけないんじゃないか」

と思ってしまうんですよね。

でも今回は、身構える必要がありません。

「『ジュラシック・パーク』みたいに恐竜が出てきて、家族がひどい目に遭うエンタメ映画なのかな」

くらいの気持ちで行って、かなりそのままのものが返ってきます。

頭を変にひねらなくていい。でも退屈もしない。

手触りとしては、昔の夏休み映画に近いです。

私が思い出したのは『グーニーズ』でした。

もちろん内容が似ているわけではありません。子どもも大人も同じ画面を見て驚いて、怖がって、笑える。ああいう種類の映画です。

最近の私は、映画を観ては考察して、記事を書くためにまた考えて……ということをずっとやっていたので、久しぶりに頭を空っぽにしてハラハラできる映画が来てくれたこと自体がうれしかった。

逆に、『イット・フォローズ』や『アンダー・ザ・シルバーレイク』みたいに、映画が終わってからも意味を考え続けたい人には少し肩透かしかもしれません。

この映画は、観客に宿題を出してきません。

でも、それでいいと思いました。

恐竜を見に行くのではなく、生活圏ごと恐竜の側へ運ばれる

この映画で一番好きだったのが、ここです。

『ジュラシック・パーク』の系譜って、基本的には「人間が恐竜を見に行く」話じゃないですか。

人間が恐竜を囲っている場所へ、自分たちの足で向かう。

そして、そこで制御できなくなった恐竜に襲われる。

でも『オークストリートの異変』は逆です。

ある日を境に街で異変が起き、水道も電気も止まる。そしてプラット家は、自分たちの住宅街ごと、恐竜が生きている環境へ放り出される。

旅行先でもない。

研究施設でもない。

テーマパークでもない。

自分の家がある。

庭がある。

いつもの道路がある。

隣人までいる。

生活を丸ごと抱えたまま、恐竜のいる世界へ着地する。

ありそうでなかった設定だと思いました。

そして重要なのは、家まで一緒にそこへ来ていることです。

恐竜から逃げるためのサバイバル映画なのに、家族が抱えていた問題までそのまま持ってきてしまう。

ここが、あとから思っていた以上に効いてきます。

ちなみに鑑賞後、ミッチェルのインタビューを読んだら、本作の発想は彼がミシガンの住宅街を歩いているとき、「ここに恐竜がいたら面白い」と想像したところから始まったそうです。恐竜がゴミ箱のあたりを漁っているような、ものすごく非日常的なものと、ごく普通の郊外住宅地をぶつけるイメージだったらしい。

それを知って、かなり納得しました。

私がこの映画で面白いと思ったのも、恐竜そのもの以上に、恐竜が「そこにいるはずのない場所」にいることだったからです。

玄関の鍵を閉めても、まだ安心できない

家まで恐竜の世界へ来てしまったということは、逃げ込む場所も同じ世界の中にあるということです。

登場人物が外で恐竜から逃げる。

どうにか家まで戻ってくる。

扉を閉める。

普通なら、ここで一息つけます。

でも私はほぼ全編、

「本当に大丈夫か？」

と思いながら観ていました。

実は部屋の中にもう一匹いるんじゃないか。

いきなり窓を叩かれるんじゃないか。

奥の暗がりに何か立っているんじゃないか。

画面の端で何か動かなかったか。

こういう映画を観ているとき、一度疑い始めると止まらないんですよね。

そして、実際に何かが飛び出してくる回数以上に、何かがいるかもしれない時間の方が長い。

ここが、私が一番「ミッチェルだ」と思ったところでした。

『イット・フォローズ』もそうでした。

突然フレームへ飛び込んでくるものを待つというより、背景の奥を観客が勝手に探してしまう。

あれはただの通行人なのか。

こっちへ向かって歩いてきていないか。

何も起きていない画面なのに、こちらの目が勝手に怖がっている。

今回、その目の使い方がそのまま恐竜映画へ持ち込まれているように感じました。

だから、考察の余地が少ないからといって、ミッチェルらしさまで消えたわけではないと思います。

今回は「これは何のメタファーなんだろう」と考えさせるのではなく、

普通の日常空間を怖く見せる。

そこに作家性が出ている。

ガッツリしたホラーではありません。でも終始ハラハラする。

それなのに、観終わったあとに嫌なものが残り続ける映画でもない。

この配分、けっこう難しいことをやっていると思います。

この家族は、恐竜が来る前から壊れかけている

そしてもう一つ。

このプラット家、恐竜が来る前からうまくいっていません。

ユアン・マクレガーとアン・ハサウェイが演じる夫婦の関係はかなり冷え切っている。

子どもたちも、それに気づいている。

序盤を観ている時点で、

「ああ、これは恐竜によって家族の絆が試される映画なんだろうな」

とは想像できます。

そして本当に、そのど真ん中にボールが来ます。

別に変化球は投げてこない。

でも、ど真ん中だからつまらないということには全然なっていませんでした。

むしろ観終わってから思ったのは、

これは「家族の絆を恐竜が試す映画」ではないんじゃないか

ということでした。

この家族は、恐竜が来る前から壊れかけている。

でも普通の生活を続けられているうちは、それを見ないふりもできます。

朝になれば仕事へ行く。

子どもは学校へ行く。

夜になれば家へ帰ってくる。

問題があったとしても、明日へ持ち越せる。

「普通の家族」でいることができる。

でも恐竜が来た瞬間、その余裕が全部なくなるんですよね。

水もない。

電気もない。

外へ出れば危ない。

家に入ったからといって安心できるわけでもない。

生き残るために動かなければならなくなった瞬間、今まで見ないふりをしていたものを隠しておく余裕までなくなる。

だから私には、恐竜が家族を壊しに来たというより、

すでに壊れかけていた家族が、それを隠すために立てていた壁を恐竜が壊しに来た

ように見えました。

ここで、恐竜映画と家族ドラマが一本につながった気がします。

家が安全ではなくなる。

それと一緒に、この家族が「普通」を続けるために使っていた場所までなくなってしまう。

そして、隠していたものが露見したあと、どうするのか。

そこまでちゃんと描く。

私はかなり素直な家族ドラマだと思いました。

でも、だからこそ安心して席を立てたところもあります。

G指定だけど、小さい子どもと観るなら少し注意

夏休みに家族で観るにはかなり向いている映画だと思います。

ただ、日本ではG指定とはいえ、完全に「小さい子どもでも安心の恐竜映画」という感じではありません。

途中、結構痛い場面があります。

血も出ます。

「そこまでやるんだ」と思ったところもありました。

米国ではPG-13で、強めの暴力や流血表現などが指定理由になっています。

なので、恐竜が人を襲う場面が苦手な子と観るなら、そこだけは少し考えた方がいいかもしれません。

とはいえ、映画全体として暗く重いわけではありません。

怖いところはちゃんと怖い。

でも、夏休み映画としての楽しさは最後まで失わない。

私はこのくらいがちょうどよかったです。

恐竜の大きさは、スクリーンの大きさで決まる

正直に書くと、私はこの映画をそこまで観るつもりがありませんでした。

予告は何度も観ていたんです。

でも「絶対観たい」とまでは思っていなかった。

気が変わったのは、『スパイダーマン：ブランド・ニュー・デイ』をIMAXで観たときでした。

同じIMAXのスクリーンで『オークストリートの異変』の予告が流れて、なんだかすごく圧倒されてしまった。

「そんなに観る気なかったけど、IMAXならアリかも」

それが劇場へ行った最大の理由です。

本編もローソン・ユナイテッドシネマ前橋のIMAXで観ました。

結論から言えば、正解でした。

やっぱり恐竜、大きいんですよ。

当たり前なんですけど、その当たり前がこの映画では大事です。

巨大なものが人間のすぐそばにいる。

住宅街の中にいる。

家の前にいる。

その異常さは、スクリーンが大きいほど分かりやすい。

さらに本作はIMAX認証デジタルカメラで撮影され、99分のうち44分でIMAX独自の拡張画角を使用する作品として案内されています。

ただ、私にとってIMAXが効いた理由は、恐竜の大きさだけではありませんでした。

さっき書いた、

「画面のどこかに何かいるんじゃないか」

という怖さです。

家の中。

庭。

道路。

窓の向こう。

見える範囲が大きければ大きいほど、探してしまう場所も増える。

恐竜を巨大に見せるためのスクリーンの大きさと、背景を疑わせるミッチェルの演出が、意外なところで相性がいい。

家の大画面テレビでも普通に楽しめる映画だとは思います。

でも私は、配信を待たずにIMAXで観てよかったです。

そもそもIMAXで予告を見なかったら、たぶん劇場に足を運んでいなかった。

そう考えると、かなり正しい出会い方だった気がします。

まとめ｜ただの恐竜映画で、それがいい

『オークストリートの異変』は、監督の名前を見て身構えて行く必要のない映画でした。

予告どおりの恐竜映画です。

恐竜が出てくる。

逃げる。

怖い。

ハラハラする。

そして最後には、気持ちよく劇場を出られる。

2026年の夏の一本として、それで十分すぎると思いました。

でも、何も残らなかったわけではありません。

人間が恐竜を見に行くのではなく、生活圏そのものを恐竜の側へ持っていく。

だから、安全だったはずの家まで安全ではなくなる。

そして家という逃げ場所がなくなったとき、それまで家族が隠していたものまで一緒にむき出しになってしまう。

私に残ったのは、そこでした。

これは家族の絆を恐竜が試す映画ではなく、すでに壊れかけていた家族が、それを隠すために立てていた壁を、恐竜が壊しに来る映画だった。

観る前の私は、

「ミッチェルなんだから何かあるはずだ」

と探す準備をしていました。

でも、今回はそんなことをしなくてよかった。

恐竜が住宅街を歩き回る。

まず、それだけで楽しい。

そして観終わってみると、その住宅街が「家」だったことにちゃんと意味があった。

ただの恐竜映画でいい。

でも、ただ恐竜を出しただけの映画ではなかった。

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この映画を観るきっかけになった『スパイダーマン：ブランド・ニュー・デイ』のIMAX鑑賞については、別の記事で書いています。

【ネタバレあり】『スパイダーマン：ブランド・ニュー・デイ』感想｜1回目は乗れず、2回目のIMAXで泣いた理由

今回IMAXで観たローソン・ユナイテッドシネマ前橋については、オープン直後に体験レポートを書いています。

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同じ映画を、8日間で2回観ました。

1回目は「いい映画なのかもしれないけど、そこまでかな」。

2回目のIMAXでは、二度泣きました。

変わったのは映画ではありません。

1回目は上映中の私語やスクリーンの撮影騒ぎで集中を削られ、2回目でようやく、この映画が何を積み重ねていたのかを受け取れた。

そこで見えてきたのは、世界中から存在を忘れられたピーター・パーカーが、「自分は本当は孤独ではなかった」と気づく物語でした。

でも、それだけではなかった。

『スパイダーマン：ブランド・ニュー・デイ』が最後にピーターへ出す答えは、たぶんもっと一歩先にあります。

一人ではないと知ることと、一人でやらないと決めることは違う。

ピーターは最後に、ようやく後者を選びます。

『スパイダーマン：ブランド・ニュー・デイ』作品情報

公開日：2026年7月31日
監督：デスティン・ダニエル・クレットン
脚本：クリス・マッケナ、エリック・ソマーズ
出演：トム・ホランド、ゼンデイヤ、セイディー・シンク、ジェイコブ・バタロン、ジョン・バーンサル、トラメル・ティルマン、マイケル・マンド、マーク・ラファロ ほか
上映時間：145分
音楽：マイケル・ジアッチーノ
日本版主題歌：Mrs. GREEN APPLE「Brand New」
配給：ソニー・ピクチャーズ エンタテインメント

1回目、私はこの映画に乗れなかった

2026年8月3日、月曜日。

仕事から帰って、MOVIX伊勢崎のレイトショーに駆け込みました。

本当は公開日の初回に行きたかった。

MCUのスパイダーマン、特に前作『ノー・ウェイ・ホーム』は、ネタバレを踏まずに初見を迎えること自体が体験の一部だったような映画です。

ところが公開日前後は旅行に行っていて、ひたすら情報を避けながら過ごしていました。

週が明けて、もう限界だと思って劇場へ向かった。

その回に、上映中ずっと喋っているお客さんがいました。

それだけでも集中は削がれます。

さらに、その人がスマートフォンでスクリーンを撮影し始め、気づいた別のお客さんがスタッフを呼びに行き、途中で注意が入るところまでありました。

劇場側は対応してくれています。

劇場の問題ではなく、その客の行為の問題です。

私は年間100回前後映画館へ行きますが、ここまでの状況に当たったのは初めてでした。

そして、いまだに許していません。

初見の感動は、一度しかないからです。

満を持して観に行った映画で、その一度きりを他人に削られた。

この件についてだけは、きれいに消化するつもりがありません。

8日後、同じ映画がまるで違って見えた

ただ、不思議だったんです。

1回目も、ストーリー自体は追えていました。

何が起きているのか分からなかったわけではない。

それでも感情が乗り切らず、「そこまでかな」と思って劇場を出た。

だから8月11日、ローソン・ユナイテッドシネマ前橋のIMAXで観直しました。

IMAXを選んだのは画と音のためでもあります。

でも正直に言えば、通常上映より高い料金を払って観に来る人が集まるなら、少しは落ち着いて観られるんじゃないか、という打算もありました。

結果、その回では上映中に気になる私語が一度もありませんでした。

それだけで少し感動してしまった。

そして観ているうちに、1回目には拾えていなかったものが次々と見えてきました。

トム・ホランド版のスパイダーマンは、これまで他作品とのクロスオーバーそのものが大きな見どころになることがありました。

『ホームカミング』にはトニー・スタークがいて、『ノー・ウェイ・ホーム』にはドクター・ストレンジだけでなく、過去のスパイダーマンたちまで現れた。

今作にもパニッシャー、エレーナ・ベロワ、ブルース・バナーと、かなり豪華な面々が出てきます。

でも不思議と、彼らがピーターの映画を奪っている感じがしません。

むしろ彼らと接するたび、浮かび上がってくるのはピーター自身でした。

世界中から忘れられたあと、彼がどう生きてきたのか。

そして、どれだけ一人で抱え込んでいたのか。

ピーター・パーカーとして、人とつながる場所がない

『ノー・ウェイ・ホーム』の最後で、ピーター・パーカーを知る人々から彼の記憶は失われました。

MJも、ネッドも彼を覚えていない。

今作のピーターは、そんな世界でスパイダーマンとして犯罪と戦い続けています。

一方で、MJやネッドの現在を遠くから見てしまう。

二人は自分のいない人生を進んでいる。

会いたい。

でも近づけば、また危険に巻き込むかもしれない。

だから遠くから見ている。

1回目では単純に「孤独なピーター」として観ていたのですが、2回目には少し違って見えました。

彼にはスパイダーマンとして人と関わる時間はあるんです。

街へ出れば人を助けるし、他のヒーローとも接する。

なくなったのは、ピーター・パーカーとして誰かとつながる時間でした。

これまでのシリーズには、その両方があった。

学校へ行き、ネッドと馬鹿な話をして、MJを好きになるピーター。

その一方で、マスクを被って街を飛び回るスパイダーマン。

前作のラストで消えたのは、ヒーローとしての人生ではありません。

ピーター・パーカーとしての人生だったんです。

そう思って観ていると、今作ではやたらと「マスク」が気になってきます。

ほとんど裸なのに、マスクだけは外さない

象徴的なのが、エレーナ・ベロワと会う大浴場の場面です。

武器を隠し持っていないことを確かめるため、ピーターは服を脱ぐ。

ほとんど裸になっているのに、マスクだけは被ったままです。

画としては完全に笑わせに来ています。

普通におかしい。

でも2回目は、それが少し苦しく見えました。

ピーターは「スパイダーマン」としてならエレーナと話せる。

顔を隠し、名前を隠し、その役割の中にいれば人と接することができる。

逆に言えば、ピーター・パーカーとして誰かの前に立つことの方が、よほど怖い。

マスクは正体を隠すためのものだったはずなのに、今作ではいつの間にか、ピーター自身を守る殻のように見えてきます。

MJの前でマスクを脱ぐ

だから、MJとの場面が重い。

MJは手紙をきっかけに、ピーターと自分に過去があったことを知ります。

でも、事実を知ったからといって感情まで戻るわけではありません。

かつて二人が恋人だったと聞かされても、MJにはその記憶がない。

ピーターを愛していたという事実は理解できても、いま目の前にいるピーターを愛しているわけではない。

これはピーターにとって残酷です。

それでも、この場面は絶対に必要だったと思います。

失った関係を「いつか元に戻せるかもしれないもの」として遠くから眺め続けている限り、ピーターはずっと過去に残される。

MJの前でピーター・パーカーとして立ち、戻らないものは戻らないと知る。

恋愛が元に戻る場面ではなく、ようやく喪失を真正面から引き受ける場面なんだと思います。

そのあと、ネッドとはマスクを被ったままLEGOを組み立てる。

やっていることだけなら昔の二人と同じなのに、一人だけ顔を出せない。

懐かしいのに、元には戻っていない。

この距離感がすごく良かった。

ジーン・グレイは、ピーターの鏡だった

そして、この孤独を別の角度から見せるのがジーン・グレイです。

物語の序盤ではピーターの前に敵として現れますが、やがて彼女自身も傷つけられた側だったことが分かります。

特別な力を持っていた姉サラを失い、その力ゆえに利用され、ジーン自身も孤独と怒りの中にいる。

ここで、ピーターとジーンが重なります。

二人とも、自分では望んでいなかったほど大きな力を持っている。

二人とも、大切な人を失っている。

そして二人とも、その喪失を一人で抱え込んでいる。

だから私は、ジーンを単純なヴィランとしては見られませんでした。

ピーターが違う方向へ進んでいたら、こうなっていたかもしれない。

そんな鏡のような存在に見えます。

特に好きだったのが、ジーンがピーターの精神へ入り込み、メイの記憶に触れる場面でした。

ピーターがメイと話していた記憶の中へ、いつの間にかジーンが入っている。

私はあれを、メイ本人がジーンを救う場面というより、ピーターがメイから受け取ったものを、今度は別の孤独な人間へ渡しているように見ました。

ピーターには、メイから残されたものがある。

でも、それを持っているピーター自身ですら、一人で抱え込むことから抜け出せずにいる。

ジーンを救おうとする言葉が、結果的にはピーター自身にも返ってくる。

今作が「孤独」をただ寂しさとしてではなく、ひとりで全部を背負おうとする生き方の問題として描いていることが、ここではっきりしてきます。

ニューヨークの「うるささ」が反転する

演出で一番好きだったのは、ニューヨークの音の使い方でした。

身体の変化によって感覚が鋭敏になったピーターが屋上へ出ると、街のあらゆる音が一気に流れ込んできます。

車の音。

人の声。

無数の生活音。

それらが全部、ピーターを追い詰めるノイズとして聞こえてくる。

一人になりたい人間へ、世界が無理やり押し寄せてくるような音です。

ところが、その意味が終盤で反転します。

パニッシャーの銃弾を受けたピーターが病院へ運ばれる。

その外に、スパイダーマンの無事を祈るニューヨーク市民が集まってくる。

ここで私は泣きました。

ピーターは、自分は一人だと思っていた。

確かにピーター・パーカーを知っている人はいない。

でも、スパイダーマンとして彼が何年も街でやってきたことまで消えたわけではない。

助けた人がいる。

救われた人がいる。

彼を見てきた人がいる。

ピーター自身が顔を出したまま、その群衆の中へ紛れ込む。

誰も彼がスパイダーマンだとは知らない。

でも、自分のためにこれほど多くの人が集まっていることを、ピーターだけは知っている。

最初はうるさいだけだった喧騒が、その喧騒を生んでいる人たちの体温として聞こえてくる。

同じニューヨークの音が、前半と後半で真逆の意味になる。

IMAXの音響で浴びたこともあって、ここは完全にやられました。

そして、少し皮肉でもあります。

1回目の私は、この映画が「音」に込めていたものを、客席から聞こえてくる音のせいで受け取れなかった。

だから2回目でこれに気づいたとき、余計に刺さったのだと思います。

「ピーター」と「スパイダーマン」、どちらかを捨てる必要はない

終盤、身体の変異を抑えていた装置を外し、自分の身体から生まれた有機ウェブまで受け入れて戦うピーター。

私はここを、単なる新能力のお披露目とは感じませんでした。

彼はずっと、ピーター・パーカーを捨ててスパイダーマンだけで生きようとしてきた。

大切な人を守るなら、自分が彼らの人生から消えればいい。

自分さえ一人になればいい。

その考え方には責任感もある。

でも、それを続けることはできなかった。

最後にピーターは、ピーター・パーカーかスパイダーマンか、そのどちらか片方を選ぶことをやめます。

自分の身体から生まれるウェブまで含めて、自分自身を受け入れて戦う。

だから有機ウェブも、私にはその変化と重なって見えました。

ただ、今作の答えはそこで終わらない。

自分が何者なのかを受け入れるだけでは、ピーターはまだ一人だからです。

病院で気づき、メイの墓前で決める

そして、私がもう一度泣いたのがメイの墓前でした。

ここを最初は「ピーター自身の中で決着をつける場面」くらいに考えていたのですが、改めて考えると、もっと具体的です。

病院の外でピーターが知ったのは、

自分は本当は孤独ではなかった

ということでした。

自分のことを気にかけてくれる人が、これほどいた。

それはピーターにとって大きな発見です。

でも、孤独ではないと知ることと、誰かに頼ることは同じではありません。

ピーターはずっと、人を守るために自分が一人になることを選び続けてきた。

だから墓前でメイへ報告する「これからは一人でやらない」という決断が必要になる。

病院は、気づき。

墓前は、選択。

この二つは似ているようで、全然違います。

誰かが自分を思ってくれていると分かっても、「迷惑をかけたくない」「自分で何とかしなければ」と考え続ければ、人は結局一人で抱え込めてしまう。

だから今作がピーターに最後に求める成長は、単に「君には仲間がいる」と教えることではありません。

仲間がいるなら、一人でやらないことを自分から選んでいい。

そこまで行って、ようやく『ノー・ウェイ・ホーム』のラストから続いてきた孤独が終わる。

この墓前の場面について、鑑賞後に知って驚いたことがあります。

THE RIVERが紹介しているデスティン・ダニエル・クレットン監督のインタビューによると、この場面でピーターが口にする「もう一人でやらない」という趣旨の言葉は、もともとの脚本ではなく、トム・ホランドが撮影現場で加えたものだったそうです。

そしてクレットン監督は、その一言を聞いたことで、この映画がどこへ向かうべきなのかが見えたと振り返っています。

THE RIVER「『スパイダーマン：ブランド・ニュー・デイ』最後のセリフはトム・ホランドの即興だった」

映画を観ていて私が感じた「孤独」が、作品を作る側にとってもこれほど中心に置かれていたと知ると、今作のまとまり方に改めて納得しました。

ジーンも。

MJもネッドも。

病院に集まった人々も。

パニッシャーやエレーナ、ブルース・バナーとの出会いも。

みんな、ピーターに「お前は一人でやらなくていい」と教えるためにいたように見えてきます。

ネッドはピーターを思い出したのか

そして、最後のネッド。

ここは鑑賞後に気になった人も多いと思います。

映画は、ネッドの記憶が完全に戻ったとは明言しません。

ただ、ピーターとネッドは無意識のように、かつて二人がやっていたハンドシェイクを再現する。

そのあとネッドの表情が変わり、ピーターの名前を呼ぶ。

なので、「何も思い出していない」と見るのも少し違う気がします。

少なくとも、頭で理解するより先に、身体のどこかが二人の関係を覚えている。

そこから何が戻ったのか。

過去の記憶そのものなのか。

説明できない親しさなのか。

そこまでは答えを出さない。

私は、この終わり方が好きでした。

前作の犠牲を簡単に帳消しにはしない。

でも、人と人とのつながりは、魔法で記憶を消したからといって、それですべてなくなるほど単純でもない。

ピーターが「もう一人でやらない」と決めた直後に、未来のつながりを感じさせる小さな扉だけ開けて終わる。

すごくきれいなラストだったと思います。

2回目を観なければ、この映画を好きになれなかった

同じ映画を8日間で2回観て、私の評価は大きく変わりました。

変わったのは作品ではありません。

受け取れる状態に、自分がいたかどうかです。

上映マナーは「気分が悪かった」で終わる問題ではないのだと、今回はかなり痛感しました。

作品そのものへの評価まで変えてしまう。

私は実際、1回目に「そこまでかな」と思った。

もし2回目に行っていなければ、『ブランド・ニュー・デイ』は私の中でその程度の映画として終わっていたと思います。

だから今後、本当に楽しみにしている映画ほど、できる限り集中できそうな上映環境を選びたい。

IMAXなどのプレミアムフォーマットを選ぶ理由が、画質や音質だけではなくなりました。

初見の感動を、なるべく守るためです。

『スパイダーマン：ブランド・ニュー・デイ』でピーターは、自分が一人ではなかったことに気づきます。

でも、本当に大切なのはその次でした。

人に支えられていると知っても、一人で生きようと思えば生きられる。

だから最後にピーター自身が決める。

もう、一人でやらない。

『ノー・ウェイ・ホーム』で自らすべてのつながりを手放したピーターが、一本の映画を使って、ようやくもう一度人とつながることを選ぶ。

私は、この映画をそう受け取りました。

ピーターは前へ進みました。

私の方はというと、8月3日のあの回のことを、まだ許していません。

それでも、もう一度観に行って本当に良かったです。

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今作でピーターと言葉を交わすエレーナ・ベロワについては、『サンダーボルツ＊』の感想でも書いています。

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今回2回目を観たローソン・ユナイテッドシネマ前橋のIMAXについては、オープン直後に体験レポートを書いています。

群馬県初IMAXを体験！前橋IMAXの実力は？感じたことを正直レビュー

視聴方法（2026年8月12日時点）：劇場公開中。

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2026年7月、「午前十時の映画祭16」でスティーヴン・スピルバーグ監督の『A.I.』を初めて観ました。

良かったです。

ただ、「問答無用の名作だ」という言葉は、観終わった私の中から素直には出てきませんでした。それでも家に帰ってからずっと考え続けているので、私の基準では十分にいい映画です。

AI技術の未来を予見した映画だと思って劇場へ行った私が実際に観たのは、母親に捨てられた子どもの童話でした。

そして、その子どもを苦しめていたのは、人工知能の不完全さではありません。

人間によって作られた、終わることのない「愛」でした。

この記事では、『A.I.』がどのような映画なのか、2000年後に現れる存在は何者なのか、最後の一日は救いだったのかを整理しながら、私が本作を「Artificial Intelligence」よりも「Artificial Love」の映画だと感じた理由を考えます。

『A.I.』作品情報

原題：A.I. Artificial Intelligence
日本公開：2001年6月30日
上映時間：146分
監督・脚本：スティーヴン・スピルバーグ
スクリーン・ストーリー：イアン・ワトソン
原作短編：ブライアン・オールディス「スーパートイズ」
出演：ハーレイ・ジョエル・オスメント、ジュード・ロウ、フランシス・オコナーほか
備考：スタンリー・キューブリックが長年構想していた企画を、スピルバーグが引き継いで完成させた作品

『A.I.』はどんな映画？　AIが反乱する物語ではない

私は『A.I.』という題名から、完全に別の映画を想像していました。

AIが自我を獲得して人間に反抗する映画。人工知能が社会や仕事をどう変えていくのかを描く映画。AIと人間の知能差や、技術の暴走を問う映画。

AIという言葉が日常に入り込んだ今、再び観る意味のある「未来予測の映画」なのだろうと思っていたのです。

しかし、物語の骨格はもっと単純で、もっと古典的です。

愛する能力を組み込まれた少年型ロボット、デイビッドが、人間の夫婦に迎えられる。ところが、病気で冷凍保存されていた夫妻の実子マーティンが回復すると、デイビッドは家庭の中で居場所を失っていく。

やがて母親のモニカに森へ置き去りにされたデイビッドは、もう一度彼女に愛してもらうため、「本物の人間」にしてくれるブルー・フェアリーを探し始めます。

つまりこれは、未来社会におけるAIの脅威を描いた映画というより、ロボットの少年を主人公にした、非常にダークな『ピノキオ』です。

ただし、AIという設定が単なる飾りなのかというと、そうでもありません。

本作が扱うのは、計算能力や知能の高さではなく、人間が機械に感情を持たせたときに生じる責任です。

『A.I.』は、AIに心があるかを問う映画である以上に、心を作った人間が、その心を最後まで引き受けられるのかを問う映画でした。

デイビッドは母を捨てられない。でも、母はデイビッドを捨てられる

この映画で最も残酷なのは、デイビッドが人間よりはるかに長く存在し続けられることではありません。

彼が、モニカを愛するように一方的かつ不可逆にプログラムされた存在であることです。

デイビッドを開発したのはホビー教授ですが、最終的に「刷り込み」を行い、自分を母親として愛させたのはモニカでした。

その瞬間から、デイビッドにとってモニカは代替不能になります。

彼の母親はモニカしかいない。別の家庭へ移ったり、別の誰かを母親として選び直したりすることもできない。彼女を愛することから降りる自由もありません。

一方、モニカにとってデイビッドは、少なくとも最初は、病気で不在となった実の息子を補う存在でした。

もちろん、生活を共にするなかで彼女なりの愛情は生まれていたと思います。だからこそ、会社へ返して破壊させるのではなく、森へ逃がすという選択をします。

それでも、最終的に彼女はデイビッドを手放せます。

デイビッドはモニカを永遠に捨てられない。でも、モニカはデイビッドを捨てられる。

この非対称こそ、本作の最も冷たい部分ではないでしょうか。

人間の子どもも、幼い頃には母親を世界の中心として求めます。しかし成長するにつれて、家族以外の人間関係や目的を見つけ、自分の人生を生き始めます。

デイビッドも旅のなかで多くの出来事を経験します。ただし、彼の願いの座標は変わりません。

最初から最後まで、「本物の人間になれば、ママに愛してもらえる」と信じ続けます。

モニカと一緒に暮らしている間なら、その愛は幸福な感情として成立したかもしれません。しかし捨てられた瞬間、愛が持続すること自体が呪いへ変わります。

しかもデイビッド自身は、自分の愛を呪いだとは認識しません。

苦しみの原因がモニカへの執着にあるとは考えず、「自分が人間ではないから愛されなかった」と受け取ってしまうのです。

この映画の残酷さは、機械の寿命が長いことではありません。

終わることのできない愛を人間が作り、その愛を最後まで引き受けなかったことにあります。

ピノキオは人間性を得る。デイビッドが欲しいのは「人間という資格」

デイビッドがブルー・フェアリーを探す理由は、『ピノキオ』を読んでもらったからです。

人形だったピノキオが、ブルー・フェアリーの力によって本物の子どもになる。

ならば、自分も彼女に頼めば人間になれる。人間になれば、モニカは再び自分を愛してくれる。

デイビッドはそう信じます。

ただし、一般的な『ピノキオ』と『A.I.』の間には、大きな違いがあります。

ピノキオは、失敗や誘惑、選択を重ねながら、少しずつ人間にふさわしい存在へ近づいていきます。人間になることは、単に体の材質が変わることではなく、内面的な成長の結果です。

一方、デイビッドが求めているのは、人間性よりも「人間という資格」です。

人間になれば愛される。

ロボットだから捨てられた。

彼のなかでは、その二つが強固に結びついています。

だから彼の旅は、「人間とは何か」を学ぶ成長物語というより、自分が捨てられた原因を自分自身の欠陥だと思い続ける子どもの旅に見えました。

親から拒絶された子どもが、「自分がもっといい子だったら、愛してもらえたのではないか」と考えてしまう。

私には、デイビッドの「人間になりたい」という願いも、それと同じものに見えます。

しかし、悪いのはデイビッドが人間ではなかったことではありません。

そもそもホビー教授は、人間を愛する機械を作りました。そのうえ、後半ではデイビッドと同じ顔をした量産型まで登場します。

そこで問われるべきなのは、「機械の愛は本物か」という問いだけではないはずです。

人間が、自分を愛する存在を意図的に作ったとき、その愛に対して責任を負えるのか。

本作で最初に問われるべきなのは、デイビッドの心の真偽ではなく、彼に心を持たせた人間側の倫理だと思います。

『オブセッション 災愛』と地続きだった「愛させた側の責任」

この「自分を愛するように作り変えておきながら、その愛を引き受けない」という構図に、私は先週観た別の映画でも出会っていました。

ホラー映画『オブセッション 災愛』です。

主人公のベアは、片思いしているニッキーに、自分を愛するようになるおまじないをかけます。

その結果、ニッキーは自分の意思とは無関係に、ベアを激しく愛し続ける存在へ変わってしまう。

ところが、その愛がベアにとって都合のいい範囲を越えた瞬間、ニッキーは「危険な女」「恐ろしい恋人」として扱われます。

もちろん、『A.I.』と『オブセッション 災愛』はまったく異なる映画です。

それでも私には、倫理的な構図がつながって見えました。

相手の感情を操作し、自分を愛するように仕向けた側が、その感情の結果について責任を負おうとしない。

デイビッドもニッキーも、愛していること自体によって恐怖や悲劇の発生源にされます。しかし、その愛は本人が自由に選んだものではありません。

問われるべきなのは、愛するよう強制された側の異常さではなく、愛させた側の無責任さではないでしょうか。

→ 『オブセッション 災愛』のネタバレ考察はこちら

2000年後に現れる存在は、宇宙人ではなく未来のメカ

デイビッドは水没したコニーアイランドで、ブルー・フェアリーの像を発見します。

もちろん、本物の妖精ではありません。かつて存在したアトラクションの一部です。

それでもデイビッドは、像に向かって「本物の人間にしてほしい」と願い続けます。

やがて周囲は凍りつき、デイビッドはそのまま2000年後まで残されます。

そして、人類がすでに滅びた時代に、彼は細長い体をした存在によって発見されます。

見た目がスピルバーグ作品に登場する宇宙人を思わせるため、初見では少し混乱しますが、彼らは宇宙人ではありません。

人類の絶滅後も存在し、進化を続けた未来のメカです。

人間になりたいと願い続けたデイビッドは、皮肉にも、失われた人類を直接知る貴重な存在として扱われます。

未来のメカたちは、デイビッドの記憶からスウィントン家を再現します。

さらに、テディが保管していたモニカの髪を手がかりとして、彼女を一日だけよみがえらせます。

デイビッドが機械だったからこそ、2000年後まで残ることができた。

人間なら途中で終わっていたはずの長い時間が、願いを実現するための力へ反転します。

ただ、その願いが実現したと言い切ってよいのかは、簡単ではありません。

最後の一日は救いなのか

デイビッドは、最後まで人間にはなっていません。

未来のメカたちも、彼を本物の少年に変えたわけではありません。

その代わりに、彼が人間になりたかった本当の目的――モニカから愛されること――を一日だけ実現させます。

よみがえったモニカは、その日だけはデイビッドと二人で過ごします。

彼と遊び、誕生日を祝い、眠りにつく前には愛を伝えます。

人工的に再現された母親と、人工的に作られた家と、あらかじめ終わりが決められた一日です。

それでも、そこでデイビッドが受け取った幸福まで偽物だったとは思いません。

モニカがどのような仕組みで再現された存在であっても、デイビッドにとって、母親と過ごした時間は本物です。

だから、あの結末を単純なバッドエンドとは呼べません。

ただし、完全な救いとも言い切れません。

デイビッドは、モニカを求め続ける愛から解放されたわけではありません。

別の人生を選び、自分自身の幸福を探すようになったわけでもない。

2000年間変わらなかった願いが、最後に満たされたことで、ようやく物語が閉じただけです。

しかも、その願いを変えずにいられたのは、彼の愛が人間のように時間とともに変化する感情ではなく、プログラムされたものだったからでもあります。

願いを持ち続けたから夢が叶った、と受け取れば美しい。

しかし、願いを変えることができなかったため、2000年後まで同じ場所にとどまり続けた、と考えると怖い。

あの一日は、デイビッドにとって確かに救いです。

同時に、彼を縛り続けたプログラムが、最後まで解除されなかったことの証明でもあります。

『A.I.』は、すべてを曖昧にして終わる映画ではありません。

デイビッドは人間になれなかった。

しかし、「母親に愛されたい」という目的だけは、一日だけ達成された。

その二つは、作品のなかではっきり示されています。

宙づりのまま残るのは、別の問いです。

永遠に誰かを愛し続けられることは理想なのか。

それとも、愛することから逃れられない地獄なのか。

私は、そこが本作の中心にあるように感じました。

手放しで名作とは言い切れない。それでも考え続けてしまう

観終わった瞬間、私は「すごい名作を観た」とは思いませんでした。

温かく見える結末にも、素直に泣き切ることができない。デイビッドの願いが叶ったことを喜びながら、それで本当によかったのかという違和感が残ります。

だからこそ、劇場を出た後も考え続けました。

私にとって、単純に面白かった、泣いた、つまらなかったという感想だけで終われず、帰宅してからも問いが残る映画は、それだけで十分に価値があります。

『A.I.』を、冷たい部分はキューブリック、温かい部分はスピルバーグ、ときれいに分けることもできません。

むしろ本作の奇妙な魅力は、温かさと残酷さが同じ場面に同居していることにあります。

最後の一日は美しい。

しかし、美しいからこそ、そこへたどり着くまでの2000年と、デイビッドが別の願いを持てなかったことが際立ちます。

私はまだ、本作を手放しで「問答無用の名作」と呼べるか決めきれていません。

それでも、観終わった後に残ったものの大きさだけは否定できません。

まとめ：「Artificial Intelligence」より「Artificial Love」

うちの猫・はるの名前には、『2001年宇宙の旅』のHAL 9000を重ねています。

それくらい、私のなかで「AIの映画」といえば、知能を持った機械が人間の命令を逸脱する物語のイメージが強くありました。

しかし、『A.I.』で人工的に作られているのは、知能だけではありません。

デイビッドのモニカへの愛。

刷り込みによって与えられた「息子」という立場。

遊園地に残されたブルー・フェアリー。

2000年後に再現された家とモニカ。

そして、最後の幸福な一日。

この映画に登場する大切なものの多くは、人工的に作られています。

それでも本作は、人工物だから無価値だとは断定しません。

デイビッドの愛がプログラムによって生まれたとしても、その愛によって彼が苦しんだことは本物です。

最後の一日が未来のメカによって作られたとしても、そこで彼が得た幸福も、デイビッドにとっては本物だったはずです。

だから『A.I.』という題名は、単に「人工知能」を指しているのではなく、人工的に生み出されたものに、本物の感情や意味は宿りうるのかという問いを指しているのかもしれません。

ただ、私個人の感覚では、「Artificial Intelligence」よりも「Artificial Love」――人工的な愛――という題名のほうが、この映画にはしっくりきます。

観る前の私は、『A.I.』をAIが人間に反抗する映画の棚に入れていました。

観た後の私は、人間が作った愛を、人間が引き受けなかった映画として覚えています。

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『オブセッション 災愛』のラストは、意味不明なのではありません。

答えは映画の中にきちんと置かれています。ただし、せりふでは説明されない。ワン・ウィッシュ・ウィローの電子音、ベアの表情の変化、テーブルの上に残された玩具。音と映像を順に追うことで、あの浴室の外で何が起きていたのかが分かるように作られています。

私がこの映画で最も驚いたのも、物語のどんでん返しそのものより、最後の重要な情報を言葉に頼らず伝え切ったことでした。

そしてラストの意味を整理すると、もう一つの反転が見えてきます。

怪物のように振る舞っていたニッキーは、本当にこの物語の加害者だったのか。

願いはすべてかなった。それなのに、誰も欲しかったものを手に入れられない。この記事では、ラストで何が起きたのかを順に確認しながら、最後に一人だけ残されたニッキーについて考えます。

『オブセッション 災愛』作品情報

• 公開日：2026年7月17日
• 原題：『OBSESSION』
• 監督・脚本・編集：カリー・バーカー
• 出演：マイケル・ジョンストン、インディ・ナバレッテ、クーパー・トムリンソン、ミーガン・ローレス、アンディ・リクターほか
• 上映時間：108分
• 映倫区分：R15+
• 配給：パルコ、ユニバーサル映画

本作は、YouTubeで発表された『Milk & Serial』などで注目されたカリー・バーカーの劇場長編監督デビュー作です。製作費100万ドル未満の作品ながら、アメリカで大きなヒットを記録しました。

願いはかなう。でも、欲しかった愛にはならない

内向的な青年ベアは、幼なじみであり、楽器店の同僚でもあるニッキーに片思いしています。

気持ちを伝える機会は何度もある。それでも、拒絶されることが怖くて一歩を踏み出せない。

そんなベアが使ってしまうのが、「ワン・ウィッシュ・ウィロー」という一度だけ願いをかなえる玩具です。枝を折ると電子音が鳴り、口にした願いが現実になる。

ベアが願ったのは、ニッキーが自分を「世界中の誰よりも愛してくれること」でした。

願いは文字どおりにかないます。

ニッキーは彼を愛し始める。ただし、ベアが想像していた都合のよい恋愛ではありません。彼が少しでも離れようとすれば不安になり、ほかの女性と話せば激しく嫉妬し、やがて周囲の人間まで排除し始める。

「愛されたい」という願いが、逃げ場のない執着へと変わっていきます。

設定だけを取り出せば、願いが予想外の形で実現する『ビッグ』や、「猿の手」に連なる昔ながらの寓話です。

ただ、この映画は願いの代償を見せるだけでは終わりません。

ベアが手に入れたのは、本当に彼が望んでいたニッキーなのか。そもそも、他人の気持ちを自分に都合よく変えることを「愛」と呼べるのか。

分かりやすい設定の内側に、かなり気持ちの悪い問いが残ります。

この映画が刺さる人と、注意してほしいこと

ホラーでありながら、ダークコメディとして笑える場面も多い作品です。

恐怖のルールや結末を完全に曖昧にするタイプではなく、実際に何が起きているかは映画内の手掛かりから整理できます。そのうえで、ベアとニッキーのどちらをどう見るかについては、鑑賞後も意見が分かれる。

「分かった」で終わらず、人と話したくなる映画が好きな人には強く刺さると思います。

一方で、ゴア描写はシーンによっては強めです。

また、猫関連できつい描写があります。「ねことシネマ」という名前でブログを続けている人間として、私はこの部分が相当つらかったです。

ここからネタバレ｜『オブセッション 災愛』のラストを解説

ここからはラストまで触れます。

まだ観ていない方は、鑑賞後に戻ってきてください。

願いを解除する方法は三つあった

ベアはワン・ウィッシュ・ウィローの箱に書かれた問い合わせ先へ電話し、願いを解除する方法を尋ねます。

そこで示される方法は、大きく三つです。

願いをかけたベアが死ぬ。願いの対象であるニッキーが死ぬ。あるいは、別の人間が新しいウィローを使って、最初の願いを打ち消す。

ベアは自分もニッキーも死なずに済む三つ目の方法を選び、友人のイアンに新しいウィローを使わせようとします。

ところが、イアンはベアの話を信じません。

彼はニッキーを元に戻す願いをかける代わりに、自分が10億ドルを手に入れるよう願ってしまう。すると本当に大金が屋根を突き破って降ってきます。

ここで、ウィローが願いをかなえる力を持っていることは完全に証明されます。

しかし、ニッキーを救うために使えたはずの願いは失われてしまいました。

浴室の外で鳴った電子音は、二つ目の願いだった

終盤、ニッキーはサラを殺し、駆けつけたイアンまで射殺します。

追い詰められたベアはニッキーから拳銃を奪い、浴室へ逃げ込みます。自分が死ねば、最初の願いが解除され、本来のニッキーを戻せると知っているからです。

ベアは銃口を口に入れる。

しかし、引き金を引けません。

そこで目に入るのが、薬棚に残されていたオピオイド系鎮痛薬です。物語の序盤で、飼い猫の死因となった薬でもあります。

ベアは大量の薬を飲み込みます。

ところが、死ぬのが怖くなり、すぐに指を喉へ入れて吐き出そうとする。

ここで、浴室の外からウィローの電子音が聞こえます。

映画はニッキーが口にした願いを、はっきりとは聞かせません。

ただし、その直後にベアが吐くのをやめ、浴室から出て、突然ニッキーを愛おしそうに抱きしめる。そしてテーブルの上には、使われたウィローが残されている。

この流れから、ニッキーが「自分がベアを愛しているのと同じように、ベアも自分を愛すること」を願ったと読み取れます。

音が鳴る。

ベアの行動が変わる。

最後に、使われたウィローが映る。

説明の順番を逆にしながら、何が起きたのかはきちんと伝える。この場面は本当に見事でした。

ベアはニッキーを愛したまま死ぬ

ニッキーの願いによって、ベアは彼女を心から愛している状態になります。

浴室から出てきたベアは、ニッキーを抱きしめ、キスをする。

一瞬だけ見れば、二人の愛がようやく釣り合った瞬間です。

ニッキーはベアを誰よりも愛し、ベアもニッキーを愛している。誰にも邪魔されない、完全に閉じた相思相愛が成立する。

しかし、ベアはすでに致死量の薬を飲んでいます。

ニッキーを愛するようになったからといって、薬の作用が消えるわけではありません。

ベアはニッキーの腕の中で倒れ、そのまま死にます。

願いがかなったのは、ほんのわずかな時間だけでした。

ベアが死んだことで、本来のニッキーが戻ってくる

ベアが死んだことで、彼が最初にかけた願いは効力を失います。

ニッキーを支配していた人格が消え、本来のニッキーが自分の体へ戻ってくる。

ただし、その切り替わりはベアの死と完全な同時ではありません。

願いの影響下にいるニッキーは、愛するベアを失った絶望から、拳銃で後を追おうとします。そこでようやく本来のニッキーが表に戻り、自分が置かれている状況に気づく。

目の前にはベアの遺体がある。

友人たちも死んでいる。

自分自身は血まみれになっている。

彼女が呪いのあいだに起きたことを、どの程度記憶しているのかは明言されません。

ただ、少なくともそれらは本来のニッキーが自分の意思で選び、行ったことではない。それでも、外から見れば彼女の体が二人を殺した現実は残ります。

呪いから解放されても、呪いが生んだ結果からは解放されない。

映画は、その現実を理解し始めたニッキーの絶叫で終わります。

ハッピーエンドとバッドエンドが、数分の間に入れ替わる

このラストでは、結末の意味が何度も反転します。

ベアが死ぬことでニッキーを救えるなら、自己犠牲による救済です。

ところがニッキーが二つ目の願いを使い、二人は相思相愛になる。一瞬だけ、異様な形のハッピーエンドが成立する。

しかしベアは死ぬ。残されたニッキーは後を追おうとする。悲恋のバッドエンドへ変わる。

さらに本来のニッキーが戻り、自死は回避される。命だけを見れば、彼女は救われたことになります。

それでも、最後に残るのは救済ではありません。

ニッキーは、友人たちを失い、自分の体が起こした惨劇の中で一人生きていかなければならない。

ベアは死ぬことで物語から退場できる。

ニッキーは、他人の願いによって壊された人生の続きを生きなければならない。

この違いが、ラストの後味を決定的に苦くしています。

怪物だと思っていたニッキーは、願いによって怪物にされた

物語の大部分で、ニッキーはスプラッター映画に登場する「狂った恋人」のように振る舞います。

ベアを束縛し、彼の人間関係を壊し、ほかの女性へ向いた関心を許さない。

そして、猫好きには耐え難い、あのサンドイッチの場面まである。

行動だけを並べれば、彼女は間違いなく恐ろしい。

しかし、あれはニッキーの本性ではありません。

本来のニッキーは、ベアの願いによって自分の体から追い出され、別の場所に閉じ込められている。時折だけ表へ戻り、ベアに自分を殺してほしいと懇願します。

怪物として振る舞っていたのは、「ニッキーがベアを世界中の誰よりも愛する」という願いを、そのまま実行するために生まれた存在です。

だから私は、彼女を単純な「ヤンデレ」と呼うことには少し違和感があります。

あれは、一人の女性が愛情をこじらせた姿ではない。

「自分だけを選んでほしい」「決して拒絶しないでほしい」「何よりも自分を優先してほしい」というベアの願望だけを残し、ニッキー本人の意思を消した人格です。

観客はニッキーを怪物として怖がる。

しかし、その怪物を作ったのはベアの願いだった。

映画の後半では、ニッキーを見るこちらの視線そのものが反転します。

理想の恋人を演じるほど、本来の自分が追い出されていく

もちろん、ワン・ウィッシュ・ウィローは超自然的なアイテムです。

それでも、ニッキーから本来の人格が追い出される描写には、現実の恋愛にもつながる怖さを感じました。

相手に愛されるために、本当は嫌なことを受け入れる。

相手が望む服装や振る舞いへ近づく。

不満や違和感を飲み込み、「理想の恋人」を演じ続ける。

現実では、ニッキーのように人格が別世界へ送られるわけではありません。

それでも、相手の期待に合わせて作った自分が大きくなるほど、本来の自分を出せなくなることはあると思います。

この映画は、その自己喪失をホラーとして極端に可視化しているように見えました。

だから私は、ニッキーの異常な姿を見ていながら、途中から彼女を怖がるだけではいられなくなりました。

ベアは、自分で作った理想のニッキーを愛せない

さらに皮肉なのは、ベアが自分の願いによって生まれたニッキーを、結局は受け入れられないことです。

ベアが望んだのは、自分を誰よりも愛してくれる女性でした。

しかし、実際にニッキーが自分を最優先し、どこへでもついてきて、ほかの人間との関係を許さなくなると、ベアは彼女から逃げようとする。

欲しかったはずの愛情が自分の負担になった瞬間、耐えられなくなる。

ベアが求めていたのは、ニッキーという他者そのものではなかったのだと思います。

自分を肯定し、選び、拒絶せず、それでいて自分には負担をかけない。自分の望む距離に調整された愛情です。

しかし、そのような存在を作るには、相手の意思を消すしかない。

他者の主体性を奪って手に入れた愛は、もう愛ではありません。

なぜウィローに力があるのかを、映画は説明しない

この映画は、ラストで起きたことについては丁寧に手掛かりを置いています。

一方で、ワン・ウィッシュ・ウィローがなぜ願いをかなえられるのかは、最後まで説明しません。

どこで作られたのか。

誰が力を与えたのか。

なぜ玩具として売られているのか。

そうした由来は分からないままです。

私は、この取捨選択も良かったと思います。

イアンが10億ドルを願い、空から本当に金が降ってくる場面によって、「ウィローには実際に力がある」という事実だけは証明される。

しかも、その証明を完全なギャグとして処理してしまう。

映画が観客に考えてほしいのは、ウィローの設定資料ではありません。

ベアの願いはなぜ間違っていたのか。ニッキーは本当に怪物だったのか。なぜ最後に彼女だけが残されたのか。

だから、仕組みの説明は笑いと一緒に切り上げ、人間の問題へ時間を使う。

前回取り上げた『ブリング・ハー・バック』は、儀式の手順と成立条件が物語の理解に深く関わる映画でした。

『オブセッション 災愛』は反対です。

ウィローの由来を知らなくても、人物の選択と結末は理解できる。

何を説明し、何を説明しないか。その判断によって、同じ超自然ホラーでも作品の手触りは大きく変わります。

分かりやすいのに、何時間でも話せる

『オブセッション 災愛』は、考察という言葉を免罪符にして、すべてを観客へ丸投げする映画ではありません。

最後に何が起きたのかは、電子音、人物の変化、ウィローのカットを追えば分かるように作られています。

短い時間に複数の反転が重なるため、一度では情報を取りこぼす人もいると思います。それでも、答えは画面の中にある。

一方で、ニッキーとベアをどう評価するかについては余白が残ります。

気弱で善良そうに見えたベアは、どの時点から加害者になったのか。

願いを使った瞬間なのか。

願いが本物だと察しながら、ニッキーとの関係を続けた瞬間なのか。

マイケル・ジョンストンが演じるベアは、分かりやすい悪人には見えません。

だからこそ、彼が他人の意思を奪っていることの気持ち悪さが残る。

インディ・ナバレッテのニッキーも、怪物として恐ろしいのに、同時に壊されているように見える。

物語の答えは出ているのに、人物への評価は簡単には決まらない。

私は、こういう映画が好きです。

願いはすべてかなった。それでも、誰も救われなかった

ベアはニッキーに愛されました。

ニッキーの願いによって、ベアも彼女を愛しました。

イアンは10億ドルを手に入れました。

願いは、すべて文字どおりに実現しています。

しかし、ベアが欲しかったのは、自分を破滅させる執着ではなかった。

ニッキーが欲しかったのも、魔法で作られた愛ではなかった。

イアンも、金を手に入れた直後に命を失います。

誰も願いを拒絶されてはいない。

それなのに、誰一人として欲しかった幸福にはたどり着けない。

そして最後に残されるのが、願いをかけてすらいない、本来のニッキーです。

彼女は呪いからは解放されました。

しかし、自分の意思とは無関係に壊された人間関係と、血まみれの現実からは解放されない。

『オブセッション 災愛』が最後に描いているのは、願いがかなう恐怖だけではありません。

他者を自分の理想へ作り変えた人間は死んで退場できても、作り変えられた側は、その後の人生を生きなければならない。

私には、それがこの映画の最も残酷なところに見えました。

この夏、ホラーを一本だけ選ぶなら、私は本作を推します。

カリー・バーカーの劇場長編監督デビュー作としても、インディ・ナバレッテという俳優の名前を覚える一本としても、かなり強烈な作品でした。

もう観た人に聞きたいです。

あの電子音が鳴った瞬間、ニッキーが何を願ったのか、すぐに分かりましたか。

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儀式の目的は分かる。けれど、何をすれば成功するのか、オリバーの中には何がいるのか、白い線にはどこまでの力があるのか。肝心のルールが、最後まできれいには見えてきません。

正直、映画としてのまとまりは、前作『TALK TO ME／トーク・トゥ・ミー』のほうが上だと思います。

それでも私は、劇場を出る頃には完全にやられていました。

最後に残ったのは、難解な儀式の答えではありません。死んだ娘の身体を抱き続けるローラと、飛行機の音に顔を上げるパイパー。喪失を前にした二人の、正反対の姿でした。

前半はできるだけ核心に触れずに感想を書きます。後半では、オリバーの正体、儀式の「吐き戻し」、コナーがアンディの声で話した理由、白い円、そしてラストの意味を整理します。

『ブリング・ハー・バック』作品情報

• 日本公開日：2026年7月10日
• 監督：ダニー・フィリッポウ、マイケル・フィリッポウ
• 脚本：ダニー・フィリッポウ、ビル・ハインツマン
• 出演：サリー・ホーキンス、ビリー・バラット、ソラ・ウォン、ジョナ・レン・フィリップスほか
• 製作国・製作年：オーストラリア／2025年
• 上映時間：104分
• 映倫区分：R15+
• 配給：ハピネットファントム・スタジオ

ホラーとして強烈。ただし、前作より明らかに分かりにくい

父親を亡くしたアンディと、目の不自由な妹パイパーは、里親のローラに引き取られます。

ローラの家には、言葉を話さない少年オリバーも暮らしていました。親切そうに見えながら、パイパーへ異様な愛情を注ぐローラ。家の周囲に描かれた円。閉じ込められているオリバー。

最初はつながっていなかった違和感が、やがてローラの願いを中心に一つになっていきます。

私が本作を観た理由は、フィリッポウ兄弟の長編デビュー作『TALK TO ME／トーク・トゥ・ミー』が強く印象に残っていたからです。

あちらは、正体不明の霊を扱いながら、儀式のルール自体は驚くほど明快でした。

手の像を握り、「Talk to me」と唱えて霊を呼び出す。「I let you in」と告げて、自分の身体へ招き入れる。ただし、一定時間を超えてはいけない。

観客にも、何が危険なのかが分かります。だからこそ、登場人物がルールを破るたびに「そこでやめろ」と思える。頭を空っぽにして観ても状況を追えて、それでも怖い映画でした。

『ブリング・ハー・バック』は逆です。

ローラが死んだ娘を取り戻したがっていることは分かります。しかし、そのために行っている儀式は、古い映像と断片的な行動から推測するしかありません。

『TALK TO ME』は、ルールは分かるが、霊の正体は分からない。

『ブリング・ハー・バック』は、目的は分かるが、ルールまでよく分からない。

この違いはかなり大きいです。私は途中まで、怖さと同時に、少し置いていかれているような感覚も抱いていました。

ゴア描写は、前作よりもきつい

残酷描写もかなり強烈です。

特に、オリバーが刃物を口に入れる場面。私は思わず目を細めました。自分の身体を傷つけ、食べようとする場面も、まともには直視できませんでした。

私はもともとグロテスクな描写が得意ではありません。『ミッドサマー』でも、作中のフローレンス・ピューとほとんど同じ表情をしながら観ていました。

『TALK TO ME／トーク・トゥ・ミー』にも痛々しい場面はありましたが、本作はさらに一段上です。R15+指定にも納得しました。

ゴア描写が本当に苦手な方には、軽い気持ちでは勧めにくい作品です。

ここからは、『ブリング・ハー・バック』の結末を含むネタバレがあります。

コナーにアンディが憑依したのか

私が鑑賞中に最も混乱したのは、終盤でコナーがアンディの声を使う場面です。

ローラは、車ではねられて動けなくなったアンディを、水たまりの中で窒息させます。その後、コナーがアンディの声でパイパーを呼び寄せる。

私は最初、儀式がローラの意図しない形で作用し、死んだばかりのアンディがコナーの中へ入ってしまったのだと思いました。

けれど、直前の描写をつなぎ直すと、アンディ本人が憑依したと考える必要はなさそうです。

コナーはアンディの身体を口にした後、その声を使っています。また、ローラがアンディの父親の髪をコナーに食べさせた後には、シャワー室のアンディの前に父親が現れます。

これらの場面からは、コナーの中にいる何かが、食べた相手の声や記憶、イメージへ接続できることが示唆されています。

ただし、それが単なる声の模倣なのか、死者の一部を一時的に呼び寄せているのか、相手へ幻覚を見せているのかまでは分かりません。

父親の場面も、コナーが姿を変えたのか、父親の霊が現れたのか、アンディが幻覚を見たのかは確定できません。

私には、父親の髪を食べたコナーが何らかの形で声や記憶を引き出し、それをきっかけにアンディが父親の姿を見たように思えました。

同じように、終盤の声も、アンディ本人がコナーを乗っ取ったのではなく、コナーの中の存在が、取り込んだアンディを利用してパイパーを誘い出したのではないでしょうか。

最初に私が考えた「アンディがコナーへ入った」という読みは、おそらく違う。

ただ、映画は代わりの正解を、きれいな文章で教えてはくれません。

儀式の「吐き戻し」とは何だったのか

ローラの目的は、プールで溺死した娘キャシーを生き返らせることです。

そのために必要とされていたのが、オリバーと呼ばれていた少年と、パイパーでした。

オリバーの本当の名前はコナー・バード。ローラに誘拐され、何らかの存在を宿すための身体として利用されていた少年です。

映画の中で断片的に示される手順を並べると、儀式はおそらく次のようなものです。

まず、生きている人間の身体へ、儀式に必要な何かを宿らせる。本作ではコナーが、その「器」にされています。

次に、その器へ、蘇らせたい死者の遺体を食べさせる。

さらに、死者と同じ方法で別の人間を殺し、その新しい身体へ、器が食べたものを口から吐き戻させる。

キャシーが水中で亡くなったため、ローラはパイパーを同じようにプールで溺死させようとしたのでしょう。

つまり「吐き戻す」とは、比喩ではありません。

コナーにキャシーの遺体を食べさせ、その内容物を、死亡したばかりのパイパーの口へ文字どおり吐き戻させる。そうすることで、キャシーをパイパーの身体へ移そうとしていたと考えられます。

あまりにもおぞましい方法ですが、映画の題名である“Bring Her Back”を、そのまま実行するための手順です。

ただし、この儀式が本当に成功するのかは分かりません。

ローラが見ていた映像が何者によって作られたのか、ローラがどこで手に入れたのか、映像に登場する集団が何者なのかも明かされません。

コナーに宿る存在についても、私は日本語字幕で「天使」にあたる言葉が使われていたように記憶していますが、少なくとも私たちが通常想像する善良な天使ではありません。悪魔なのか、別の何かなのか、映画は正体を決めません。

白い円は、コナーを閉じ込める境界だった

家の周囲に引かれた白い線も、詳しい原理は説明されません。

ただ、線を越えようとしたコナーの身体に異変が起こり、終盤では線の外へ出たことで、彼を支配していた存在の力が失われたように見えます。

そのため、白い円は少なくとも、コナーの中にいる存在を敷地内へ閉じ込めておくための境界として機能していたのでしょう。

「線を越えたから善人に戻った」というより、線の内側で身体を支配していた何かから、ようやくコナー本人が解放された。

物語が始まった時点で、彼はすでにオリバーにされていました。

白線の外で発見されたとき、ようやく誘拐された少年コナー・バードへ戻る。あの線は儀式の結界であると同時に、ローラが作り上げた世界と、現実との境目でもあったように思います。

分からなさを、すべて美点にはできない

ここまで整理しても、疑問は残ります。

コナーはどのようにして器にされたのか。中に宿っているものは何なのか。ローラは、なぜこの儀式を信じたのか。本当に完成させれば、キャシーは戻ってくるのか。

映画は答えてくれません。

この説明不足が、正体の見えない儀式の不気味さを強めている部分はあります。

同時に、単純に物語の接続を追いにくくしている部分もあります。

私は、分からないものをすべて「考察の余地があるからすばらしい」とは言いたくありません。『TALK TO ME』はルールを説明しながら、世界の怖さをまったく縮めていませんでした。

それと比べれば、『ブリング・ハー・バック』の儀式は、もう少し観客に材料を渡してもよかったと思います。

それでも、分からなさがローラの状態と重なって見える瞬間もありました。

ローラにとって、この儀式が論理的に正しいかどうかは、もはや重要ではありません。

キャシーを取り戻せるかもしれない。

可能性がゼロではない。それだけで、彼女は子どもを誘拐し、死者の身体を保存し、別の子どもを犠牲にするところまで進んでしまう。

成功する保証のない儀式に縋るしかなかったこと自体が、ローラの抱えている喪失の深さを示しているようにも見えます。

理解はできる。けれど、決して許すことはできない。

その両方を成立させているのが、ローラという人物の恐ろしさでした。

パイパーの「ママ」で、ローラの手が止まる

ローラは、キャシーにもう一度母親として呼ばれることを望んでいました。

そして終盤、パイパーをプールへ沈めている最中、そのパイパーが「ママ」と叫びます。

その一言で、ローラの手は止まります。

パイパーが本当にローラを母親として呼んだのか、溺れながら反射的に叫んだのかは分かりません。

それでも、その瞬間だけは、パイパーがキャシーを入れるための身体ではなく、ローラへ助けを求めている一人の子どもとして見えたのではないでしょうか。

ローラは、最後の最後でパイパーを殺し切れませんでした。

けれど、生きているパイパーの母親になる道を選ぶこともできません。

彼女は再び、死んだキャシーのもとへ戻ります。

そこに、この映画のどうしようもない残酷さがあります。

死者を抱くローラと、飛行機の音に顔を上げるパイパー

鑑賞後も頭から離れないのが、ローラのラストカットです。

ローラは、損壊したキャシーの遺体をプールへ運び、その身体を抱きしめます。

カメラは、プールの中央にいる二人を真上から捉えながら引いていく。周囲には警察が集まっています。

私の中でサリー・ホーキンスといえば、『パディントン』シリーズの優しいブラウン夫人でした。

その人が、死んだ娘の身体をプールの中で抱き続けている。

ローラがここまでしてきたことも、これからもキャシーを手放せないことも、あの一枚だけで伝わってきます。

そして、ローラの姿と対になるように置かれるのが、兄を失ったパイパーです。

物語の前半、アンディは父親を亡くしたパイパーへ、人は死んだら土の下へ行くのではなく、飛行機に乗って旅立つのだという話をします。

終盤、アンディまで失ったパイパーは、飛行機の音を聞いて空へ顔を上げます。

ローラは、死んだ娘の身体を抱き、地上へ留めようとする。

パイパーは、アンディを取り戻せないまま、彼が旅立った空へ顔を向ける。

二人とも、愛する人を失っています。

しかし、その喪失に対する身振りは正反対です。

ローラの愛は、相手の死を認めず、自分の手元へ置き続けようとする愛です。そのために、生きている人間を道具に変えてしまう。

パイパーの愛は、悲しみを克服した愛ではありません。父親に続いて、唯一の家族だったアンディまで失っています。何一つ救われてはいません。

それでも映画は、彼女を死者を取り戻そうとする側ではなく、旅立った人を見送ろうとする側へ置きます。

死者の身体を抱くローラと、見えない空へ顔を上げるパイパー。

儀式の原理は最後まで説明しないのに、喪失にどう向き合うのかという問いだけは、この二つの画ではっきりと伝えてくる。

そこで私は、完全にやられました。

まとめ｜答えの出なかった謎より、最後に示された問いが残った

『ブリング・ハー・バック』は、私にとって素直に絶賛できる映画ではありません。

儀式のルールは分かりにくく、前作『TALK TO ME／トーク・トゥ・ミー』のほうが、ホラー映画としてのまとまりは上だと思います。ゴア描写もかなり強く、人を選びます。

それでも、場面の強度とサリー・ホーキンスの演技、そして最後に置かれた二つの画には圧倒されました。

ローラは、愛する人を失った後も、その身体を自分のそばへ縛りつけようとする。

パイパーは、アンディを取り戻せないまま、彼が旅立った空へ顔を上げる。

死者を愛し続けることと、死者を手放さないことは、同じではない。

儀式が本当に成功したのかどうかは、いまも分かりません。

ただ、この映画が私に残したのは、答えの出なかった儀式の謎よりも、最後の二人が見せた、喪失への正反対の身振りでした。

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まず結論から

『トイ・ストーリー5』は、間違いなく良作です。

観終わった直後の私は、かなり満足していました。ちゃんと面白かったし、シリーズの新作としても丁寧に作られている。ジェシーに光を当てたことも、タブレットという現代的な題材を持ち込んだことも、続編としてはかなり正しい選択だったと思います。

ただ、帰り道に残ったのは、他の4作ほど深く届かなかった、という感覚でした。

優等生の続編としては、かなり高得点です。けれど、私は『トイ・ストーリー4』の変化球を肯定してきた側の人間なので、5のまっすぐな作りには、少しだけ物足りなさも残りました。

この記事では、『トイ・ストーリー5』が何をやった作品なのか。そして、なぜ私はそれでも4のほうを選ぶのかを書いていきます。

作品情報

• 公開日：2026年7月3日
• 監督：アンドリュー・スタントン
• 共同監督：ケナ・ハリス
• 脚本：アンドリュー・スタントン、ケナ・ハリス
• 製作：リンジー・コリンズ
• 声の出演：トム・ハンクス、ティム・アレン、ジョーン・キューザック、グレタ・リー、コナン・オブライエン、トニー・ヘイル ほか
• 上映時間：102分
• 配給：ウォルト・ディズニー・ジャパン

ネタバレなしで言えること

『トイ・ストーリー5』は、ボニーのもとにタブレット型デバイス〈リリーパッド〉がやってくることで、おもちゃたちの存在意義が揺らぐ物語です。

大きなテーマは「おもちゃ対テクノロジー」。スマホやタブレットに子どもの時間が奪われていく現代に、おもちゃはまだ必要なのか。そこに『トイ・ストーリー』シリーズらしい問いを重ねています。

今回、物語の中心にいるのはジェシーです。ウッディとバズももちろん登場しますが、体感としては、今作はかなりジェシーの映画でした。『トイ・ストーリー2』で描かれた彼女の過去を、現在のボニーの状況と重ね直しているところが大きな見どころです。

監督は『ファインディング・ニモ』『ウォーリー』『ファインディング・ドリー』などのアンドリュー・スタントン。ピクサー初期からシリーズに関わってきた人物が、今回は本編の監督として『トイ・ストーリー』に向き合っています。

刺さる人／合わない人

刺さるのは、1・2・3で描かれてきた「おもちゃの物語」の続きを、もう一度ちゃんと見たかった人だと思います。

4のラストが受け入れ難かった人。ウッディの選択に納得できなかった人。ジェシーというキャラクターにもう一度光が当たるのを待っていた人。そういう人にとって、5はかなり誠実な続編になっています。

一方で、ピクサーに毎回「え、そこに行くのか」という驚きを期待している人には、少し物足りないかもしれません。

4のように、シリーズを内側から揺らす作品を期待していると、5はかなり優等生に見える。私がまさにそうでした。

5がやったのは、「シリーズ性の回復」だった

観終わってまず思ったのは、5は『トイ・ストーリー』をもう一度「おもちゃの物語」に戻す作品だった、ということです。

1作目は、「おもちゃにも世界がある」という発明でした。世界初の長編フルCGアニメーションという技術的な意味でも画期的でしたが、それ以上に、「子どもが部屋を出たあと、おもちゃたちは何をしているのか」という想像を、一本の映画として成立させたことがすごかった。

2作目は、その発明を使って、いきなり「おもちゃとして生きるとは何か」まで踏み込みます。ジェシーの回想「When She Loved Me」は、シリーズ全体でも屈指の名場面だと思っています。持ち主が成長したとき、おもちゃはどうなるのか。その残酷さを、あの短い場面だけで突きつけてくる。

3作目は、その問いに対する答えでした。アンディが大人になり、おもちゃたちはボニーへ受け継がれる。おもちゃとしての役目を、別の子どもへ渡していく。三部作としては、あまりにも完璧な幕引きでした。

そして4作目は、そこからさらに先へ行ってしまった作品です。

ウッディが「おもちゃとしての生き方」から降りる。誰かの持ち物であることから離れ、自分で自分の居場所を選ぶ。あれは『トイ・ストーリー』というシリーズにとって、かなり危うい変化球でした。

だから5は、そのあとにもう一度、「やっぱりおもちゃは子どもに必要なのだ」という地点へ戻ってきたのだと思います。

これは、続編として正しい選択だったと思います。誰が観ても分かりやすいし、シリーズの名前にもふさわしい。『トイ・ストーリー』とは、やはり「おもちゃの物語」なのだと確認し直す作品になっていました。

ただ、私はそこに少し物足りなさを感じてしまいました。

でも私は、4の変化球のほうが好きだった

先に立場をはっきりさせておくと、私は『トイ・ストーリー4』を肯定している側の人間です。

もちろん、『トイ・ストーリー』は3で終わっていてもよかったと思っています。あのラストは完璧でした。だから、4に対して「蛇足だ」と感じる人の気持ちも分かります。

でも、作られたからには、その作品が何を描こうとしたのかを見たい。映画好きとしては、そこを避けて通れない。

4が描いたのは、「子どもに必要とされなくなったあと、ウッディはどうするのか」でした。

2のジェシーは、持ち主が大人になってしまったことで捨てられた。残酷ではあるけれど、ある意味では順当な現実です。一方で4のウッディは、ボニーにそこまで必要とされていない。アンディから託されたはずなのに、ボニーの部屋での居場所を失っている。

ここがかなり嫌なところです。子どもは無邪気に飽きる。大人が思うほど、受け継がれたものに意味を見出してくれるとは限らない。

それでもウッディは、「おもちゃは子どものためにある」という使命感にしがみつく。フォーキーを救おうとする行動も、もちろんフォーキーのためではあるけれど、同時に自分の存在意義を延命させる行為にも見える。

だからこそ、ボー・ピープの「迷子になっているのはあなたの方よ」という言葉が効いてくる。

4における「迷子のおもちゃ」は、単に持ち主を失ったかわいそうな存在ではありません。物語が進むにつれて、その意味は反転していきます。迷子とは、誰かの所有物ではなくなった存在でもある。ウッディはそこで、自分の人生を自分で選ぶ可能性に出会う。

私は、そこがすごく映画的だと思うのです。

3までで積み重ねられてきたウッディ像があるからこそ、4のラストは生きてくる。おもちゃとしての誇り。仲間を大切にするリーダーとしての姿。アンディへの思い。それらを全部背負ったウッディが、それでも最後に別の生き方を選ぶ。

これは確かに、賛否が出る展開です。でも私は、そこに強く惹かれました。

5は、その4のあとに作られた作品です。だからこそ、私はもう一段階先の変化を期待してしまった。でも実際の5は、変化球ではなく正球で来た。そのことが、私には少し物足りなかったのです。

ピクサーの「思いもよらない着地」がなかった

5でいちばん惜しいと感じたのは、「おもちゃ対テクノロジー」というテーマの落とし方です。

現代の街を歩けば、スマホやタブレットで遊ぶ子どもをいくらでも見かけます。ショッピングモールのベンチでゲームをしている子どももいる。家でも外でも、画面が子どもの時間を奪っている。

そういう時代に、おもちゃの存在意義をもう一度問い直す。タブレットを実質的なヴィランとして置く。その狙いはとても分かります。

だからこそ、ピクサーならもっと意外なところへ連れていってくれるのではないかと期待していました。

『レミーのおいしいレストラン』は、料理のできない青年と天才料理人のネズミによるサクセスストーリーに見えて、最後は批評家アントン・イーゴの物語として着地する。

『インサイド・ヘッド』は、感情たちをキャラクター化するだけで終わらず、「悲しみ」も人間にとって必要な感情なのだというところまで行く。

『ソウルフル・ワールド』も、生きる意味をきれいな言葉でまとめるのではなく、日常そのものの手触りへ落としてくる。

ピクサーには、そういう「そこに着地するのか」という驚きがあります。

でも5の結論は、かなりまっすぐでした。そうだよね、と思える。間違ってはいない。むしろ正しい。ただ、驚きは少ない。

落とすべきところに、きれいに落とした。批判の出にくい場所へ着地した。そんな印象がありました。

ここは私が期待しすぎたのだと思います。ただ、それを差し引いても、5には「思いもよらない着地」の快感があまりありませんでした。

ジェシーの過去のリフレインは巧い。ただ、その先が薄い

5で一番うまいと思ったのは、ジェシーの過去とボニーの現在を重ねたところです。

ボニーは友達がなかなかできない。親はそれを心配する。周りの子どもたちはタブレットを持っている。だから、ボニーにもリリーパッドが与えられる。

ボニーはタブレットに夢中になり、おもちゃたちに目を向けなくなっていく。そこでジェシーの中に浮かぶのは、「自分はまた捨てられてしまうのではないか」という不安です。

かつてエミリーに置いていかれたジェシー。今、ボニーに置いていかれそうになっているジェシー。この重ね方は、とても巧いと思いました。

『トイ・ストーリー2』の「When She Loved Me」以降、ジェシーの傷はシリーズの中でそこまで深く掘られてきませんでした。だから、5でそこに戻ること自体はかなり納得できます。

ウッディが4でああいう選択をした以上、次に物語の中心へ立つキャラクターとして、ジェシーはとても自然です。テクノロジーによっておもちゃの立場が揺らぐという現代的な問題と、かつて持ち主に捨てられたジェシーの傷が重なる。設定の噛み合わせは、さすがにうまい。

ただ、私が強く惹きつけられたのは、そこまででした。

問題提起はうまい。入口もいい。けれど、そこから結末までの展開に、あまり見入ってしまう瞬間がなかったのです。

語ろうとしても、「あのシーンが本当に良かった」とすぐに出てくる場面が少ない。これは自分の中ではかなり大きいです。良い映画を観たあとには、具体的な場面が勝手に残るからです。

1作目なら、バズがテレビCMを見て自分が本物のスペース・レンジャーではないと知る場面。2作目なら、「When She Loved Me」や、アルのトイ・バーンでのドタバタ。3作目なら、サニーサイドからの脱出や、焼却炉の場面。

5にも良い場面はあります。でも、映画としてのワクワクや、次に何が起こるのか分からない楽しさは、私には少し弱かった。

構造の問題もあると思います。

冒頭から、ジェシーたちの本筋とは別に、バズ・ライトイヤー軍団のラインが走ります。あの50体のバズは設定としては面白いし、絵としても楽しい。ただ、感情移入が乗り切っていないぶん、ジェシーの物語のテンポを少し削いでいるようにも感じました。

ウッディの合流も、良くも悪くもあっさりしています。出てきてくれること自体はうれしい。でも、この物語にウッディがどうしても必要だったかと言われると、少し迷う。ブランドとして出さない選択肢はなかったのだろうな、という作り手側の事情を、少し感じてしまいました。

終盤、ジェシーの過去に関する新しい情報が明かされる場面は、正直に言うと泣きました。かなり泣きました。周りに気づかれないように泣こうとしたくらいには泣いた。

でも、あの涙に至る積み重ねが十分だったかというと、そこは少し引っかかっています。

じわじわ積み上がった感情が爆発したというより、強い情報を急に出されて、瞬間的に泣かされた感覚に近い。泣いたことは事実です。でも、泣かされたからといって、手放しで満足できるわけではありませんでした。

5を観て、4がより深く見えてきた

ここまでかなり厳しいことを書いてきましたが、5を観たことで、4がより深く見えた部分もあります。

5の終盤で、おもちゃは子どもが寄り添ってほしいときに寄り添えばいい、というような意味のセリフが出てきます。あの言葉は、5の主題を締めるセリフとして機能しています。

ただ私の中では、むしろ4のウッディの選択に効きました。

ウッディは、アンディに寄り添った。ボニーにも、短い時間ではあったけれど寄り添った。なら、それでいいのではないか。ずっと同じ場所にい続けることだけが、おもちゃの役目ではないのではないか。

5は、4でウッディが選んだ道を、別の角度から肯定してくれた作品でもあるのかもしれません。

そう考えると、5を観たあとに4を観直すのは、かなり面白い体験になると思います。

私は5が嫌いなわけではありません。むしろ、かなり良かったと思っています。『トイ・ストーリー』シリーズは、そもそも全体の水準が異常に高い。その中で比べると、私には5が一番刺さり切らなかった、というだけです。

他の映画と比べれば、間違いなく良作です。

ただ、そのうえで私はやっぱり、4の変化球のほうを選びます。

3までで築いてきた「おもちゃの物語」があったからこそ、そこから降りるウッディの選択が胸に響いた。賛否が分かれるのも分かる。でも私は、あの危うさも含めて4が好きです。

5は良くも悪くも、無難な優等生でした。誰が観ても良い作品だと思える。けれど私が『トイ・ストーリー』に期待していたのは、1・2・3で見せてきた三部作としての完璧さや、4で見せてきた攻めの姿勢でした。

映画として良いものは、観終わったあとにどれだけ語れるかだと思っています。

「あれは正しかったのか」
「あの選択はキャラクターに合っていたのか」
「あのラストはシリーズへの裏切りなのか、それとも更新なのか」

そうやって考え続けられる映画が、私は好きです。

5は優等生であるがゆえに、議論の余地がそこまで大きく残らない。そこが、私が5より4のほうを選ぶ理由です。

今回は字幕版で観た

今回、『トイ・ストーリー』を劇場で字幕版で観るのは初めてでした。

理由はいくつかありますが、一番大きかったのは、落ち着いて観たかったからです。

ディズニーやピクサーの人気作を公開初日の仕事終わりに吹替版で観ると、どうしても客層がにぎやかになることがあります。もちろん全員がそうではありません。ただ、地元の映画館では、上映前からかなり賑やかだったり、エンディングに入った瞬間に話し出したりすることが何度かありました。

こちらとしては、エンドロールまで含めて余韻に浸りたい。映画館は、非常灯がつくまでが上映中だと思っています。

今回も、エンドロールでテイラー・スウィフトの「I Knew It, I Knew You」が流れます。あの曲は本当に良かった。映画を観終わったあと、あの曲を聴きながら考えを巡らせる時間も含めて、劇場体験だったと思います。

だから、その余韻を壊されたくなかった。

字幕版でも、エンディングで曲が流れ始めた瞬間に話し出す人はいました。字幕版を選べば必ず静か、というわけではありません。それでも、吹替版よりはかなり落ち着いて観られました。

もうひとつ理由があります。

私は最近、noteで「英語音声で日本語字幕なしで映画を最後まで観るための予習ノート」を書き始めました。その流れで、『トイ・ストーリー』シリーズを1から4まで英語音声で見返していたのです。

だから5も、自然に字幕版で観たいと思えました。トム・ハンクスのウッディ、ティム・アレンのバズ、ジョーン・キューザックのジェシー。原音で聴くと、やはりキャラクターの温度が違います。

もちろん、唐沢寿明さんのウッディにも、所ジョージさんのバズにも、慣れ親しんだ魅力があります。吹替版の良さは間違いなくあります。

ただ、落ち着いて観たい人。原音のニュアンスを味わいたい人。字幕に抵抗がない人。そういう人には、字幕版もかなりおすすめできます。

まとめ

『トイ・ストーリー5』は、シリーズをもう一度「おもちゃの物語」に戻す作品でした。

ジェシーを中心に置き、タブレットという現代的な脅威を持ち込み、子どもとおもちゃの関係を改めて描く。続編としてはとても正しいし、丁寧です。観ておいて損はありません。

ただ、4を肯定してきた私にとっては、他の4作ほど深く届かなかったのも正直な感覚です。

5は良作です。かなり良い映画です。けれど、私はやっぱり4のほうを選びます。

3までで築かれた「おもちゃの物語」があったからこそ、そこから降りるウッディの選択が胸に響いた。あの賛否の分かれる変化球に、私は映画としての面白さを感じました。

5は、シリーズをきれいに整え直した作品です。

でも私は、少し歪で、少し危うくて、それでもウッディが自分の生き方を選んだ4のほうに、より強く惹かれています。

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映画を英語音声で、日本語字幕なしで最後まで観るための予習ノートを、noteで書いています。今回の5を字幕版で観るまでに、シリーズ1〜4を英語で観返した流れで始めたシリーズです。
→ 予習ノートはこちら

『ズートピア2』も公開初日に観ています。あちらも観終わったあとに考えたくなる作品で、余韻の話は共通します。
→ 『ズートピア2』の感想はこちら

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観ている間、私は何度も顔をしかめていました。

手放しで「面白い」と言える映画ではありません。気持ちよく泣けるわけでも、悪い人間が裁かれてスッキリするわけでもない。それでも、今年観た邦画の中ではかなり上位に入る一本でした。

人の痛みが分からない子どもに、対話は届くのか。

その子を止めるためなら、大人が力を使うことは許されるのか。

人は変われるとしても、過去に傷つけられた側は、その人を許さなければならないのか。

『四月の余白』は、簡単には両立しない問いを次々と重ねます。そして最後まで、観客が安心できる答えにはまとめません。

きつい映画です。でも、きつさを乗り越えた先に感動が待っている映画とも少し違う。本来なら考えない方が楽なことを、考えないままでは帰してくれない映画でした。

作品情報

公開日：2026年6月26日
監督・脚本：𠮷田恵輔
原作：なし（オリジナル脚本）
出演：一ノ瀬ワタル、夏帆、上阪隼人、篠原篤、占部房子ほか
音楽：世武裕子
上映時間：106分
レイティング：G
配給：アークエンタテインメント

手放しで面白いとは言えない。それでも高く評価したい

私が𠮷田恵輔監督を強く意識したのは『空白』でした。

あの映画を観たときも、ものすごく嫌な気持ちになりました。自分は絶対に関わりたくないと思う人たちや状況を、逃げ道のない距離から見せられる。後味は悪い。それでも、家に帰ってからずっと考えてしまう。

『ミッシング』もそうでした。最後に救いがゼロというわけではないけれど、晴れやかな気持ちで劇場を出られる映画ではありません。

だから今回も、「面白そうだから観に行こう」というより、また何かきついものを見せられるのだろうという覚悟と期待を半分ずつ持って劇場へ向かいました。

舞台は、元半グレで元受刑者の西健吾が運営する全寮制更生施設「みらいの里」。

中学校教師の草野冬子は、暴力や問題行動を繰り返す生徒・澤海斗を施設へ預けることを決めます。海斗は、他人が傷ついても自分は痛くないのだから、その痛みが分からないと言う少年です。

あらすじだけなら、「問題を抱えた少年が大人との出会いによって更生していく話」にもできるはずです。

でも、本作はそんなに分かりやすい映画ではありませんでした。

話が通じない海斗の「は？」が、いちばん怖かった

観ていてまずきつかったのは、「話し合えば分かってもらえる」という前提が通用しない人間を、この映画が正面から描いていることでした。

冬子先生は、相手が嫌がることをなぜするのかと海斗に問いかけます。

しかし、海斗には質問の意味そのものが伝わっていない。こちらが当然だと思っている感覚が、最初から共有されていないのです。

海斗が浮かべる「は？」という表情を見ていると、観ているこちらまで「は？」となります。

もちろん、彼に何らかの診断名を当てはめれば理解できるという話ではありません。映画も、海斗を医学的に説明しようとはしません。

ただ、私は彼を見ながら、「自分がない」という言葉を何度も考えていました。

自分がどうなりたいのか。何を守りたいのか。これ以上やったら自分も何かを失うという感覚。そうした、行動にブレーキをかける中心のようなものが見えない。

それが怖かったのです。

「何も失うものがない人間は怖い」と一般化したいわけではありません。けれど少なくとも本作の海斗からは、どこで手を引くのか、その理由が見えてこない。

西が海斗を早く止めなければならないと判断するのも、彼の暴力性だけでなく、その加減のなさを感じ取ったからなのだと思います。

『四月の余白』は体罰を肯定する映画なのか

本作で見方が分かれそうなのは、西が子どもたちに手を上げる場面です。

西は、言葉だけでは止まらない子どもを力で押さえつけます。その方法が、少なくとも一時的には機能しているように見える場面もあります。

そのため、「結局、今の教育に必要なのは体罰だと言いたい映画なのか」と感じる人もいると思います。

ただ、本作は西を、何でも正しい理想の教育者としては描いていません。

西は子どもたちを見捨てない。自分と同じように道を踏み外してほしくないと、本気で向き合っている。それは間違いなく彼の長所です。

一方で、西自身もかつて暴力を振るい、他人の人生を壊した人間です。

力を使う側の論理をよく知っている西が、その力によって子どもを導こうとする。その構図には、どうしても危うさが残ります。

この映画が投げかけているのは、「体罰は必要か」という一問だけではないのでしょう。

対話で届かない相手が現れたとき、暴力を使わず、見捨てもせず、それでも止めるにはどうしたらいいのか。

本作は、その答えが現場の教師一人に押しつけられていることまで描きます。

学校という地獄を、ひとりで引き受ける冬子先生

夏帆さんが演じる冬子先生は、ずっと限界の近くにいます。

海斗を施設へ預ける決断をすると、生徒たちの間では、冬子先生のせいで海斗が施設に入れられたという噂が広がる。

海斗がいなくなって授業が平穏になったことを喜んでいた同僚も、後になると、施設へ預ける判断は正しかったのかと距離を置いたところから問い始める。

校長も、組織として冬子先生を守ってくれるわけではありません。

誰も海斗と真正面から向き合おうとはしないのに、決断した人にだけ責任と批判が集まっていく。

冬子先生はストレスによって髪まで抜けていきます。

話が通じない生徒に苦しめられ、その生徒を教室から離せば今度は周囲から責められる。何を選んでも、教師一人が悪者になる仕組みです。

海斗が所属する不良グループの描き方も嫌でした。

学校の外には、年齢もよく分からない上の人間たちがいる。タバコを買いに行かされ、襲撃へ同行するよう求められ、そこにも上下関係がある。

海斗は学校に居場所がないだけではありません。不良グループの中でも、彼自身を見てくれる人はいない。

周囲との関係によって少しずつ自分が作られていくはずの時期に、彼の周りには、その土台になるものがほとんどないように見えました。

人は変われても、傷つけられた側の時間は戻らない

海斗と向き合う西には、元受刑者で元半グレという過去があります。

今の西は、過去を反省しています。

子どもたちが本当の意味で社会からこぼれ落ちてしまう前に止めたい。その思いで施設を運営し、体当たりで向き合っている。施設そのものが、彼なりの償いでもあるのでしょう。

しかし本作は、それを美しい更生物語にはしません。

若い頃の西は、海斗の父・陽平に激しい暴行を加え、左脚に障害が残るほどの傷を負わせていました。

西は過去を悔やみ、謝罪します。

けれど、西が現在どれだけ立派なことをしていたとしても、陽平の脚が元に戻るわけではありません。奪われた時間も、その後の人生も取り返せない。

人は変われる。

では、変わった人間は許されるのか。

それはまったく別の問いです。

さらに映画は、陽平自身が、今度は加害者の親として被害者と向き合う状況を作ります。

かつて西から謝られる側だった陽平が、息子のしたことについて謝る側へ回る。そこで返ってくるのも、謝罪だけではどうにもならない怒りです。

加害と被害の立場が巡ったからといって、すべてを理解し合えるわけではありません。

この映画には、全員が納得して幸せになれる解決策など、最初から用意されていないのだと思います。

私が他人事の顔で観られなかった理由

正直に書くと、私がこの映画で何度も顔をしかめてしまった理由のひとつは、海斗の周りにある構造を、十数年前に一度だけ間近で見たことがあったからです。

さすがに海斗ほどではありません。

それでも、中学生の頃、担任が何を言っても面白がり、真面目に授業を受けている人の横で廊下に出て遊び続けるような人はいました。

いちばん思い出したのは、中学一年の終わり頃にあった、クラスの打ち上げのような集まりです。

当時の私は、そういう場へ自分から参加するタイプではありませんでした。けれど仲の良かった友達から「モンハンをやろう」と誘われ、3DSを持って地元の個室居酒屋へ行きました。

そして、すぐに後悔しました。

クラスの集まりのはずなのに、そこには髪を染めた、明らかに中学生ではない人たちがいたのです。

彼らは酒を飲み、タバコを吸い、私の友達に妙に馴れ馴れしく接していました。

学校でやんちゃしている人間の向こう側には、地域の年上の人間たちによる別のコミュニティが、本当に地続きで存在している。

そのことを私は、その場で初めて知りました。

中心にいたクラスメイトの一人は、家から持ってきた酒を飲み、酔って暴れ、店の皿を割って、最後には警察に連れていかれました。

その子が今どこで何をしているのか、私は知りません。

普段は思い出すこともありませんでした。

でも『四月の余白』を観ていたら、十年以上ぶりに、その日の店内や怖かった感覚まで蘇ってきた。

だから私には、この映画が遠い世界を描いたファンタジーには見えなかったのです。

マスコミが加わると、問題はさらに解けなくなる

『四月の余白』では、海斗や学校、更生施設の問題に、途中からマスコミが介入します。

週刊誌は西の過去を掘り返し、施設の実態やそこにいる子どもたちの時間よりも、刺激の強い物語として世間へ差し出していく。

もちろん、西の過去を報じること自体が間違いだとは言い切れません。

実際に傷つけられた人がいて、西が過去をすべて語っていたわけでもない。施設で体罰が行われていることも、外部から検証される必要はあります。

だからこそ厄介です。

報道する側だけを悪者にすれば済む話ではない。一方で、切り取られた情報によって施設全体が怪物のように語られれば、そこで少しずつ変わろうとしていた子どもたちの居場所まで失われてしまう。

『空白』や『ミッシング』でも、マスコミや世間の視線が当事者の問題をさらに複雑にしていました。

本作では、その視線が教育と更生の現場へ向けられます。

誰かを完全な善人か悪人に分類し、分かりやすい物語にして消費する。

『四月の余白』という映画自体が拒んでいるのは、まさにその分かりやすさなのだと思います。

ラストの芽と大工の音――海斗は変われたのか

終盤、西は海斗にベンツのプラモデルを贈ります。

以前、西は海斗にベンツを買ってやるというような話をしていました。それが、本物ではなく模型という形で返ってくる。

ふざけているようでもあり、きちんと約束を覚えていた証拠でもあります。

模型を見た海斗は、外へ飛び出し、西を追いかけます。

西には追いつけません。

けれど、その場には地面の隙間から出た小さな芽があり、どこかから大工仕事の音が聞こえてくる。

私はあの場面を、「海斗は更生しました」という答えだとは受け取りませんでした。

彼が将来大工になると決まったわけでもない。もう暴力を振るわないと証明されたわけでもありません。

ただ、それまで目の前の刺激や上下関係に流されていた海斗が、初めて自分の外にある何かへ関心を向けたように見える。

自分の得意なことや、この先にあるかもしれない仕事へつながる、ごく小さなきっかけです。

芽は、成長そのものではありません。

これから踏まれたり、枯れたりするかもしれない。それでも、何もなかった場所から何かが出てきた。

私は、その「変われるかもしれない」という部分を、『四月の余白』というタイトルの余白として受け取りました。

ただし、映画はそこで終わりません。

最後に描かれるのは、電車に乗っている西です。

隣にいる親が、言うことを聞かない子どもに対して、悪い子は「みらいの里」に入れられるという意味のことを言います。施設はいつの間にか、子どもを怖がらせるための怪物のような存在として世間に広まっている。

それを聞いた西は、笑いをこらえきれません。

報道によって施設の実態がゆがめられたことへの笑いなのか。

自分が恐ろしい存在として語られていることがおかしいのか。

あまりにもどうしようもない現実を、笑うしかなかったのか。

私には断定できませんでした。

でも、その笑いによって、直前の芽のカットがきれいな希望だけで終わらなかったのが良かった。

海斗に小さな変化が見えたとしても、社会が施設を正しく理解したわけではありません。西の過去が消えたわけでもない。

人は変われるのか。

この映画が残したのは、「変われる」という答えではなく、まだ答えを決めずに考えられるだけの余白でした。

まとめ：他人事の顔では観られなかった

『四月の余白』は、本来なら私から遠い場所にある映画のはずでした。

元受刑者の寮長。人の痛みが分からない少年。全寮制の更生施設。

どれも、今の私の生活とは関係のない言葉です。

それなのに映画は、観ているうちにその距離を少しずつ詰め、最後には中学時代の、できれば思い出したくなかった記憶まで引きずり出してきました。

気づけば、他人事の顔では観られなくなっていました。

手放しで「面白い」とは言えません。ずっと顔をしかめていたし、きつい時間でした。

それでも、間違いなく観てよかった。

この映画は、「人は変われる」と無邪気に信じるだけではありません。

人が変わったとしても、過去の傷は消えない。対話が届かない相手を見捨てないことと、その人から傷つけられた側を置き去りにしないことは、簡単には両立しない。

そのどうしようもない矛盾を抱えたまま、それでも最後に、まだ何かが芽生えるかもしれない場所だけを残してくれる。

私にとって『四月の余白』は、顔をしかめながら、それでも観てよかったと思える映画でした。

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映画『黒牢城』を観ました。

良かったです。

本木雅弘さんと菅田将暉さんが向き合う場面には、二人が話しているだけで空気を張りつめさせる力がありました。会話を中心にした147分という長さを、最後まで集中して観られたのもすごいと思います。

ただ、原作を発売日に買った人間としては、どうしても思いました。

これは、映画一本より連続ドラマで観たかった。

映画版は、原作を大きく別の物語へ変えた作品ではありません。私が引っかかったのはストーリーの改変よりも、複数の謎が解かれていく「間隔」でした。

原作では、一つの事件が終わるたびに、謎が解けた手応えと、少しの苦さが残ります。映画では次の事件へ進む速度が速く、その一拍が薄く感じられました。

この記事では、映画『黒牢城』は原作未読でも楽しめるのか、原作との違いはどこにあるのか、そしてなぜ私は「悪くない。でもドラマで観たかった」と感じたのかを、結末を伏せたまま書いていきます。

『黒牢城』作品情報

• 公開日：2026年6月19日
• 監督・脚本：黒沢清
• 原作：米澤穂信『黒牢城』（角川文庫／第166回直木賞受賞作）
• 主演：本木雅弘、菅田将暉
• 共演：吉高由里子、青木崇高、宮舘涼太、柄本佑、オダギリジョー ほか
• 上映時間：147分
• 配給：松竹
• 備考：第79回カンヌ国際映画祭 カンヌ・プレミア部門に正式出品

映画『黒牢城』は面白い？──先に結論を書くと

映画としては、十分に見応えがあります。

画面も芝居も軽くなく、時代劇とミステリーを正面から成立させようとしていることが伝わってきました。派手な合戦や剣戟を中心にした映画ではありませんが、城内で交わされる言葉と疑念だけで、長い上映時間を持たせています。

一方で、ミステリーとしての気持ちよさを最優先に観ると、少し物足りなさが残るかもしれません。

原作を読んでいる私は、個々の事件が解決したときの手応えよりも、「もう次へ進むのか」という感覚のほうが先に来ました。

なので、私の結論はこうです。

観て損をしたとは思わない。映画として本気なのも分かる。

でも、この物語の構造には、映画一本という形式が少し窮屈だったと思います。

『黒牢城』はどんな映画なのか

舞台は戦国時代。

織田信長に反旗を翻した荒木村重は、有岡城に籠城します。城の外は織田軍に包囲され、城内では家臣や民の不安が高まっていく。そんな状況のなか、少年が殺される事件をはじめ、説明のつかない怪事件が続きます。

村重は事件を調べますが、真相へたどり着けません。

そこで知恵を借りるのが、地下牢に幽閉している敵方の軍師・黒田官兵衛です。

つまり『黒牢城』は、戦国時代劇でありながら、合戦で物語を押し進める作品ではありません。

逃げ場のない城を巨大な密室として使い、事件の調査と、村重と官兵衛の対話によって進んでいくミステリーです。

戦闘中心の映画を想像していると、かなり違う作品に見えると思います。観る前に「城内の会話と推理が中心」と知っておくだけでも、期待のずれは減るはずです。

原作との違いは、物語よりも「謎が解ける呼吸」

映画版には、原作の筋立てを別物にするような大改変はありませんでした。

複数の事件が起き、村重が調査し、官兵衛との対話を通じて真相へ近づいていく。個々の事件が、最後には物語全体へつながっていく構造も残っています。

それでも、原作と映画では手触りが違いました。

私が原作で好きだったのは、一つ一つの事件が、きちんと一編のミステリーとして閉じていたことです。

事件が起きる。村重が現場を調べる。証拠や証言を持って官兵衛のいる土牢へ向かう。官兵衛とのやり取りを手がかりに、村重自身が答えを出す。

そして真相が明らかになったあとに、少しだけ時間が残る。

単に「犯人が分かった」で終わるのではなく、その事件が城内の人間や村重に何を残したのかを受け止めてから、次の季節へ進みます。

映画にも事件と解決はあります。

ただ、一本の映画としてすべてをつなげなければならないため、一つの謎が解けた直後から、次の出来事へ向かう力が働きます。

推理が雑になったわけではありません。

事件の内容が省略されて、何が起きたのか分からなくなったわけでもありません。

それでも、原作では一話ごとに感じられた「解けた」という区切りが、映画では弱くなっていました。

原作との一番大きな違いは、出来事そのものより、謎が解けたあとに立ち止まれる時間なのだと思います。

なぜ連続ドラマで観たかったのか

「ドラマで観たかった」というのは、単に上映時間を長くしてほしかったという意味ではありません。

この物語には、一つの事件を一話ずつ描ける形式が合っていたと思うからです。

事件が起き、その回のなかで調査と推理が進み、最後に真相へたどり着く。

一話が終わったところで、視聴者も事件の苦さを受け止める。

そして次の話では季節が変わり、城内の状況や人間関係が少しずつ悪化している。

その積み重ねが、やがて一つの大きな結末へ収束していく。

原作の構造は、かなりドラマ向きです。

映画版を観ているあいだも退屈はしませんでした。それでも事件が解決するたびに、「ここで一度、話を閉じてほしい」と何度か思いました。

一話ごとに事件を立たせられれば、謎解きの面白さと、籠城が長引くことで人の心が変わっていく怖さの両方を、もっと深く味わえたのではないか。

映画を引き延ばしてほしかったのではなく、この物語に合う区切り方で観たかったのです。

映画館には、Kindleの辞書がない

原作未読でも楽しめるのか。

これは、時代劇の言葉にどれくらい慣れているかで、かなり変わると思います。

白状すると、私は原作を一度挫折しています。

最初に読んだときは、時代劇特有の言葉や役職、家臣たちの関係がなかなか頭に入ってきませんでした。ミステリーの謎を考える前に、目の前の文章を理解することで精いっぱいになってしまったのです。

その後、Kindleで買い直しました。

分からない言葉をその場で調べながら読み直し、ようやく最後までたどり着けました。

問題は、その言葉の難しさが映画にも残っていることです。

しかも、映画館にはKindleの辞書がありません。

「今の言葉はどういう意味だろう」と考えているあいだにも、会話は先へ進みます。登場人物の名前や立場を一度取り違えると、その後の推理まで追いにくくなる場面もあります。

原作を読んでいた私でも、言葉を聞き取れなかったり、意味をすぐには処理できなかったりする瞬間がありました。

原作未読だから楽しめない、とまでは言いません。

事件が起き、村重が調べ、官兵衛に相談するという大きな流れは分かりやすく作られています。役者の表情や立ち位置から伝わる情報もあります。

ただ、時代劇に不慣れな人が、何の準備もなく完全初見で観た場合、会話の情報量に置いていかれる可能性はあります。

難しい言葉を使っているから重厚なのだ、と簡単に片づけたくはありませんでした。

この映画のハードルとして、そこは正直に書いておきたいです。

それでも、映画で観る意味はあった

ここまで映画化でこぼれたものを書いてきましたが、映像になったことで見えやすくなったものもあります。

特に良かったのが、事件の現場を検証する場面です。

小説では、誰がどこにいて、どの方向へ動き、何が見えていたのかを、文章から頭の中で組み立てる必要がありました。

映画では、人物の位置や城内の空間が最初から画面に置かれています。

原作を読んだときには曖昧だった手順が、映像を見た瞬間に理解できたところもありました。

村重と官兵衛の会話も見応えがあります。

長回しを含む場面で、二人のやり取りを細かく切ってごまかさず、声、目線、体の動きによって緊張を持続させています。

本木雅弘さんと菅田将暉さんが向き合っているだけで、画面が持つ。

それは、この映画のかなり大きな強みです。

私が観たのは金曜のレイトショーでした。

会話劇が中心で、上映時間は147分。条件だけを並べれば、途中で集中力が切れてもおかしくありません。

それでも最後まで観られました。

謎解きの手応えには引っかかりが残っても、映画として画面が本気だったことは否定できません。

どんな人に向いている映画なのか

時代劇の言葉に抵抗がなく、派手な戦闘よりも会話や心理戦を楽しみたい人には、かなり見応えのある映画だと思います。

本木雅弘さん、菅田将暉さんをはじめとする俳優たちの芝居や、黒沢清監督が時代劇をどう撮るのかを観たい人にも向いています。

原作既読者にとっては、自分が文章から想像していた城内や人物が、どのように映像へ置き換えられたのかを見る面白さがあります。

反対に、合戦や剣戟の迫力を期待している人、テンポよく謎が解ける爽快感を求めている人には、合わない可能性があります。

時代劇に不慣れで、登場人物や歴史的な状況をまったく知らない場合も、会話についていくのが大変かもしれません。

原作未読で観るなら、荒木村重が信長に反旗を翻して有岡城に籠城していること、黒田官兵衛が敵方から来て地下牢に幽閉されていることだけでも押さえておくと、入りやすくなると思います。

まとめ──「悪くない」は、低い評価ではない

『黒牢城』を観て後悔はしていません。

画面には力があり、役者も良い。会話と推理を中心にした147分を成立させていることも、きちんと評価したいです。

だから、「悪くない」という言葉は、決して低い評価ではありません。

むしろ映画としてちゃんと作られていたからこそ、物語と形式の相性が惜しく感じられました。

原作を読んだとき、私は一つの事件が解けるたびに、満足と、少しの苦さを感じました。

映画では、その苦さを味わいきる前に次の事件が始まる。

映像化によって分かりやすくなった部分はある一方で、原作の章ごとにあった謎解きの手応えは薄くなっていました。

時代劇の言葉に抵抗がなく、会話と心理戦で進む映画が好きなら、観る価値は十分にあります。

ただ、原作の構成が持っていた気持ちよさを最大限に生かすなら、私はやはり、映画一本ではなく連続ドラマで観たかったです。

一つの事件を一話ずつ受け止めながら、城と人の心が少しずつ崩れていくのを見届けたかった。

それが、映画『黒牢城』を観終えた私の、いちばん正直な感想です。

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